LIKE TEARS IN RAIN

Tra Kafka e Dostoevskij

2009-12-14T21:35:00.000+01:00

Trevor Reznik, operaio in una fabbrica meccanica (da cui il titolo originale), non riesce a dormire da un anno, divorato da una misteriosa ossessione che gli provoca visioni e paranoie. L'uomo senza sonno (Brad Anderson - 2004) è un thriller visionario non eccessivamente originale nella sceneggiatura, ma apprezzabile nella messa in scena. La fotografia desaturata e luminosa riesce a creare la giusta atmosfera allucinata, che avvolge il protagonista contribuendo a mantenere ritmo e tensione su un buon livello per tutto il film. L'interpretazione impressionante di Christian Bale (dimagrito a livelli da anoressia per entrare nella parte) fa il resto. Alcuni suggerimenti sparsi qua e là possono aiutare lo spettatore arguto a sciogliere il mistero prima dei titoli di coda. Curiosa e interessante la scelta di girare gli esterni a Barcellona e dintorni, nonostante l'ambientazione sia quella di una città americana.

Au revoir

2009-11-22T17:43:00.004+01:00

I calciatori davanti alla macchina da presa non producono di solito grandi risultati (John Huston ci aveva provato addirittura con Pelé), ma a Ken Loach il coraggioso esperimento è riuscito piuttosto bene. Il regista inglese, del resto, già nel brillante episodio di Tickets aveva mostrato una certa affinità con il mondo del pallone. Il fenomeno in questione è il francese Eric Cantona, ex-stella del Manchester United, che in Il mio amico Eric (Ken Loach - 2009), interpreta se stesso in una commedia leggera, in cui però non mancano i temi classici del regista: il protagonista della storia, infatti, è un tipico working class hero alle prese con i drammi quotidiani di una vita complicata. Grande appassionato di calcio, comincerà ad avere delle apparizioni del suo idolo, che gli fornirà interessanti consigli e piccole lezioni di filosofia spicciola. Gran parte della riuscita del film è da attribuire alla verve autoironica dello stesso Cantona, che dà sempre l'impressione di essere perfettamente a proprio agio nella parte (imperdibile, poi, lo sketch coi giornalisti nei titoli di coda). È un film che si discosta solo in parte dalla filmografia di Loach, che non rinuncia, nonostante i toni allegri, a rappresentare il disagio sociale nei sobborghi di una grande città inglese, in cui la passione calcistica è un elemento fortemente caratterizzante.

To be a rock and not to roll

2009-09-20T00:53:00.004+02:00

Dopo il documentario con Al Gore sul riscaldamento globale, Guggenheim vira verso temi più leggeri e con It might get loud (Davis Guggenheim - 2008) riunisce tre chitarristi di tre diverse generazioni a raccontare la loro esperienza con lo strumento simbolo della musica rock. Ci sono Jimmy Page, dei Led Zeppelin, The Edge, alias David Evans degli U2, e Jack White, dei White Stripes. Rinunciando fin da subito alla struttura classica del documentario musicale, fatta di botta e risposta e rigida successione cronologica, lascia ai tre protagonisti molta libertà e solo raramente si sente la voce dell'intervistatore. Alterna così momenti di gruppo, durante i quali spesso assistiamo a memorabili esibizioni collettive, a momenti individuali, in cui ciascuno rivive i momenti più interessanti della propria carriera. Questi sono spesso girati nei luoghi d'origine: dalla Detroit dell'infanzia di White, alla Mount Temple School di Dublino dove nacquero gli U2, alla villa vittoriana dove gli Zeppelin registrarono il (monumentale) quarto album. Dal punto di vista registico, niente male i titoli di testa e la sequenza di apertura con Jack White alle prese con una rudimentale chitarra, oltre alle brevi clip dedicate al primo strumento di ciascuno. Il resto sono immagini di e filmati archivio, montate in modo sapiente. Tra le cose curiose si scopre così che Page da giovane voleva diventare un biologo. Per fortuna che poi ha cambiato idea. Un must per gli appasionati di musica rock.

Idee

2009-07-04T12:47:00.003+02:00

Mi risulta difficile articolare un post su Shirin (Abbas Kiarostami - 2009), l'ultimo, discusso lavoro del regista iraniano. Mi vengono in mente solo alcune considerazioni sparse. Ma cominciano dalla trama: alcune donne iraniane assistono, nel buio di una sala, alla proiezione del dramma amoroso di Khosrow e Shirin, basato su un racconto tradizionale persiano. La macchina da presa, in posa fissa, inquadra uno dopo l'altro i loro volti e le loro reazioni allo svolgersi della vicenda, della quale udiamo solo i dialoghi e possiamo intuire l'azione solo dai suoni e, appunto, dalle espressioni delle spettatrici. Alcune idee. 1. Lo specchio: l'idea è banale, d'accordo, spettatori che guardano spettatrici e viceversa. Con la differenza, però, che mentre loro guardano un'opera di fantasia, noi non possiamo non pensare alla realtà di queste donne nel loro paese. Non a caso la macchina da presa non inquadra mai volti maschili, se non in secondo piano. 2. Le donne, appunto: Kiarostami tratteggia una figura femminile che è immobile, muta, imprigionata nello spazio dell'inquadratura, senza che questo però le impedisca di provare dei sentimenti e delle emozioni per quello che vede. 3. La critica: si è parlato di metacinema, di sperimentalismo portato all'eccesso, molti critici a Venezia hanno abbandonato la sala. È vero che il film si basa su un'unica idea, che non viene sviluppata più di tanto, però è un'opera che lascia il tempo di guardare, di pensare, di riflettere. Controcorrente rispetto alla filosofia del montaggio serrato, del ritmo alto a tutti i costi, del cinema come puro intrattenimento. Non diventerà probabilmente un capolavoro, ma merita di essere visto e soprattutto di non essere giudicato troppo frettolosamente.

Chi vuol esser lieto, sia

2009-05-11T21:47:00.004+02:00

Gianni non è sposato e vive con l'anziana madre, un po' tirannica e molto possessiva, in un appartamento di Roma. Alla vigilia di Ferragosto, l'amministratore del condominio gli chiede di accudire anche sua madre per un paio di giorni, e in cambio chiude un occhio su alcuni pagamenti arretrati. Già che c'è gli appioppa anche la zia Maria. Al già drammatico terzetto si aggiunge per finire la madre di un amico medico. Premiato come migliore opera prima a Venezia, Pranzo di Ferragosto (Gianni Di Gregorio - 2008) è disegnato intorno a un delizioso cast di attori, con il ritmo e il piglio da commedia francese, e condito da piccole dosi di cinismo che ricordano un po' Leconte. Nonostante le numerose situazioni comiche, l'allegria è solo superficiale e si fa strada rapidamente un sentimento di precarietà, di incertezza del domani, e la sensazione che rimangano solo i ricordi del passato ai quali aggrapparsi per affrontare la quotidianità. Pochissime le sequenze in esterni, tra cui spicca la splendida cavalcata in motorino per le vie disabitate di Roma alla ricerca di qualcosa con cui imbandire la tavola del giorno di festa. Peccato solo che difficilmente verrà compreso e apprezzato a fondo fuori dall'Italia dei "bamboccioni".

Senza cappello

2009-03-16T00:07:00.002+01:00

Walt è un vecchio miscredente, burbero e solitario, veterano della guerra in Corea, che ha appena perso la moglie e non ha buoni rapporti con i figli. Una notte sorprende il ragazzo dei vicini mentre tenta di rubare la sua fuoriserie, in una sorta di prova di iniziazione per entrare in una gang giovanile. Quando la famiglia, di origini orientali, obbliga il ragazzo a sdebitarsi lavorarando per Walt, tra i due nascerà un legame fortissimo, che appianerà gli aspetti più duri del carattere dell'uomo. Gran Torino (Clint Eastwood - 2008) era un modello della Ford diventato celebre anche grazie alla serie di Starsky e Hutch. Non è un caso che sia la macchina a dare il titolo al film, visto che la morale di fondo ruota tutta intorno ad essa. Il plot è abbastanza schematico, con una divisione scontata tra bene e male e lo svolgersi della trama è piuttosto prevedibile. Tuttavia non si può certo dire che sia un brutto film: è un film classico, piacevole da guardare, con una regia solida, senza eccessi o virtuosismi, ma capace di sequenze da manuale (su tutte quella nel garage con il lampadario che oscilla illuminando la scena in modo intermittente). Nemmeno tra gli attori si registrano prove da antologia, a parte lo stesso Eastwood che si disegna un personaggio piacevolmente odioso, e non sembra aver perso quella verve che lo rende sempre apprezzabile. Pare che sarà il suo ultimo film da attore e questo rende il finale del film quasi ironico.

Qualcuno volò

2009-03-12T13:16:00.003+01:00

Robin Ramzinski, detto Ram, è un wrestler professionista, che ha lasciato da tempo i livelli più alti, ma continua ad esibirsi in eventi minori per guadagnarsi da vivere. Dopo un attacco di cuore sarà costretto a cercarsi un lavoro normale, ma non resisterà all'attrazione del ring. Premiato con il Leone d'Oro nell'ultima, non certo memorabile, edizione della Mostra della Cinema di Venezia (come scrissi già a fine agosto), The Wrestler (Darren Aronofsky - 2009) è un film discreto, costruito intorno al suo protagonista. La struttura però è troppo schematica e ha dai limiti abbastanza evidenti, soprattutto nella caratterizzazione dei personaggi secondari (la spogliarellista di cui Ram si innamora, la figlia con cui tenta di ricostruire un rapporto perduto) e la trama si svolge in maniera prevedibile, nonostante un interessante finale. Le cose migliori si vedono nelle sequenze che preparano gli incontri, popolate da una colorata e curiosa varietà di figure più o meno probabili. Sono le stesse sequenze in cui Rourke sembra dare il meglio, potendo contare molto sulla presenza fisica: nelle scene di pura recitazione è molto meno incisivo. Aronofsky sembra aver abbandonato lo stile da videoclip e il montaggio ansiogeno del tremendo Requiem for a dream, anche se ogni tanto la macchina da presa dondola un po' troppo. Springsteen è autore dell'omonima canzone che accompagna i titoli di coda.

Ti vedo, non ti vedo

2009-02-23T00:20:00.000+01:00

Un ex-militare rapisce uno scienziato nucleare e, minacciandone la figlia, lo costringe a sviluppare un metodo per l'invisibilità, allo scopo di creare un esercito e dominare il mondo. Nell'affare entra anche un noto scassinatore. Niente di nuovo in questo L'incredibile uomo trasparente (Edgar G. Ulmer - 1960), pellicola a basso costo del regista di origini austriache. L'idea, e gli effetti speciali che ne derivano, erano già stati ampiamente esplorati da Whale nel mitico L'uomo invisibile, quasi trent'anni prima. Ammirevole comunque la qualità dei trucchi visto il budget limitato e degna di nota la conclusione, con una riflessione sui destini del mondo e il riferimento alla guerra fredda e alla minaccia nucleare. Buone anche la fotografia nelle sequenze notturne di apertura. Gli attori fanno il loro e, complice anche la breve durata, il ritmo è discreto. Per i cultori dei B-Movie.

Effetto farfalla

2009-02-08T21:02:00.006+01:00

In seguito alla perdita della moglie durante le vacanze estive, Pietro, manager di una grande rete televisiva, rimane solo con la figlia Claudia. Arrivato l'autunno, la accompagna a scuola e decide di aspettarla nel parco di fronte fino alla fine della giornata. E farà così anche nelle giornate seguenti, seduto su una panchina. Da questo nuovo punto di vista, incontrando il fratello, i colleghi e vari altri personaggi, inizierà ad elaborare il lutto e ad interrogarsi sul rapporto con la figlia. Anche se non è diretto da Moretti, Caos calmo (Antonello Grimaldi - 2008) subisce l'evidente influsso dell'attore romano, nella parte del protagonista. Costruito sommando una serie di brevi situazioni a due, tratteggia con un tocco leggero le vicende passate e presenti nella vita di Pietro, riuscendo al contempo a rendere il senso del suo dramma personale. Oltre all'ottimo protagonista, se la cavano bene anche gli attori di contorno: il contrasto con il fratello Carlo è incarnato da Gassman con piacevole ironia, la Golino fa la pazza ed è discreta, Silvio Orlando esce un po' dal solito ruolo. Fugace cameo anche per il regista Polanski nella parte di un supermanager. Nel pacifico fluire della trama irrompe nel finale la chiacchierata scena di sesso con Isabella Ferrari di cui non ho ancora colto il senso e soprattutto la necessità nel contesto della storia, non volendo credere ad una banale trovata pubblicitaria. Piccola e riuscita scelta di pezzi musicali, tra cui i Radiohead e Fossati sui titoli di coda.

Vincitori e vinti

2009-01-02T23:38:00.004+01:00

Tra le cose positive di questo 2008, segnalo la scoperta di Steve Buscemi come regista. Ho registrato dalla tv alcuni mesi fa, senza troppe aspettative, la sua opera prima, Mosche da bar, rimanendo impressionato soprattutto dal suo stile molto personale. Visto il suo curriculum come attore, mi aspettavo pesanti influenze tarantiniane. Niente di tutto questo, anche se qualcosina dai Coen dimostra di averlo imparato, soprattutto nel modo di rappresentare l'America di provincia (vedi anche Lonesome Jim). Riservandomi di vedere Animal Factory, finora il suo lavoro migliore rimane questo ultimo Interview (Steve Buscemi - 2007), nel quale è anche sceneggiatore e interprete. È un giornalista di politica internazionale in difficoltà, a cui vengono propinate interviste con vip e star televisive. Si ritrova così a intervistare Katya, attricetta sulla cresta dell'onda, con la quale finisce rapidamente per litigare. I due però si ritroveranno, a causa di una serie di circostanze, nell'appartamento della ragazza dove inizieranno un dialogo serrato, ricco di colpi bassi, in cui ognuno cercherà di svelare i lati oscuri del suo interlocutore. È un film girato con due soli personaggi, sostanzialmente senza azione, in un luogo chiuso, ma che non ha nemmeno una caduta di ritmo o un momento morto. Merito soprattutto dei due attori, ma anche di una regia molto dinamica, che utilizza spesso la macchina a spalla, con rapidi cambi di inquadratura ad accompagnare gli scambi dei due protagonisti. La fotografia basata su colori molto caldi (e tante candele) crea l'atmosfera adatta e non fa pesare la quasi totale assenza della colonna sonora.

Titoli

2008-11-26T23:27:00.004+01:00

Non amo rivedere i film che ho già visto, salvo casi eccezionali. Se ho tempo per vedere qualcosa preferisco spenderlo per qualcosa di nuovo. E per nuovo non intendo recente o appena uscito. Detto questo, mi è capitato di rivedere Il grande Lebowski (Joel e Ethan Coen - 1998). L'avevo visto tempo addietro quando ancora dei Coen non conoscevo praticamente nulla e ho voluto rivederlo ora. Al di là della genialità dei personaggi, dell'abilissimo controllo della delirante sceneggiatura, dei dialoghi brillanti, mi ha colpito un particolare: i titoli di testa, realizzati con grande eleganza, con una perfetta scelta dei caratteri del testo, della musica e delle immagini che li accompagnano. Pochi registi curano questa parte del film, soprattutto per motivi di budget (Woody Allen per esempio si limita allo sfondo nero e ad un semplice font bianco con sottofondo jazz), che però costituisce una parte importante: i titoli rappresentano il primo contatto dello spettatore con la pellicola, gli permettono spesso di capire che tipo di film aspettarsi. Saul Bass fu il primo a capirne a fondo l'importanza e ne realizzò di memorabili, tra cui Psyco, Spartacus e Casinò. Personalmente però preferisco ancora quelli di C'era una volta il West. Poi c'è anche chi può permettersi di farne a meno...

La mano de dios

2008-10-28T11:35:00.000+01:00

Era il decimo minuto del secondo tempo di Argentina-Inghilterra, mondiali dell'86, quando Maradona segnò quello che è universalmente riconosciuto come il gol più bello di sempre. Kusturica parte da qui per costruire il suo documentario intorno al fenomeno argentino. Pur non essendo la storia della sua carriera sportiva, ma quella della sua vita prima e dopo, le immagini dell'impresa vengono proposte numerose volte nel corso del film. Il regista serbo costruisce Maradona - El pibe de oro (Emir Kusturica - 2006) lavorando su alcuni curiosi parallelismi tra le vicende biografiche e le storie narrate nei suoi film precedenti. L'idea ha un ottimo effetto, perché aggiunge un tocco personale al documentario e permette di elevarlo ad una dimensione fantasiosa, più in linea con il personaggio. Kusturica ha anche il merito di non esagerare in questa direzione. Lunghi tratti sono dedicati all'impegno politico di Maradona, alla sua amicizia con i leader sudamericani (Chavez e Fidel Castro), il mito di Che Guevara e le critiche profonde verso Bush e l'imperialismo americano. Nel contesto, tenta anche in qualche modo di giustificare il gol di mano contro gli inglesi, legandolo al significato politico della partita. Tra i momenti più esaltanti la visita allo stadio di Belgrado dove, tra un calcio al pallone e l'altro, Maradona rievoca in modo esilarante un suo gol contro la squadra locale, quando giocava nel Napoli. Nella circostanza, tra l'altro, Kusturica dimostra un ottimo piede, mentre Maradona sembra non averlo mai perso. Completamente fuori luogo, invece, i siparietti a disegni animati che mostrano il nostro eroe in lotta contro i potenti del mondo (soprattutto inglesi) a colpi di dribbling e pallate. Imbarazzanti.

Non solo B-sides

2008-10-13T22:02:00.003+02:00

Complice il solito Ghezzi, sto ampliando in questi giorni la filmografia di Russ Meyer. Il regista americano, spesso riduttivamente ricordato come "Il re delle tettone", per la sua predilezione verso le attrici particolarmente dotate, è invece un autore molto interessante nel panorama dei B-movie d'oltreoceano. Lorna (Russ Meyer - 1964) è uno dei suoi primi lavori ed è anche uno dei più piacevoli, per due ragioni. Da un lato l'ottima fotografia in bianco e nero, un po' sgranata, che ricorda Bogdanovich e il Coppola di Rusty il selvaggio. Dall'altro, un'approccio più pudico dove anche le scene forti evitano quegli eccessi che gli hanno procurato numerose accuse di pornografia. La trama non è particolarmente originale, una moglie insoddisfatta violentata da un pericoloso delinquente scopre piaceri sconosciuti, ma permette al regista di esplorare il sud povero, cinico e razzista con toni sconosciuti a Hollywood e soprattutto di costruire un crescendo in funzione della tragica sequenza conclusiva.

Il fabbro

2008-09-16T23:51:00.005+02:00

Zishe Breitbart è un fabbro ebreo dalla forza incredibile. Dalla Polonia arriva nella Berlino dei primi anni trenta, dove diventa un fenomeno da baraccone alle dipendenze di un losco impresario. Una serie di visioni profetiche gli preannunciano un futuro nero per il suo popolo. Ma al ritorno in patria le sue prediche non saranno ascoltate. Scritto dallo stesso regista e ispirato ad una storia vera, Invincibile (Werner Herzog - 2001) è uscito nelle sale italiane solo sette anni dopo la sua presentazione alla Mostra del cinema di Venezia e non è certamente tra i capolavori di Herzog. Assume fin dall'inizio i contorni di una favola, con personaggi ben delineati e dalle caratteristiche fuori dal comune, che impersonano qualità e difetti stereotipati. Ma poi sembra perdere il filo del racconto e finisce per impantanarsi in una narrazione senza ritmo, a cui il regista tenta di venire in soccorso inserendo sequenze oniriche e visionarie, molto apprezzabili dal punto di vista puramente registico, ma il cui unico effetto è quello di disorientare lo spettatore (che cosa simboleggiano i granchi?). Dopo questo film, e soprattutto dopo l'ultimo di Coppola, sto rivalutando sempre di più Tim Roth e la sua grande versatilità.

Ritorno al passato

2008-09-02T23:21:00.004+02:00

Ripercorrendo i post dei mesi scorsi mi sono accorto che questo blog ultimamente sta prendendo una piega troppo commerciale: cinema americano, nuove uscite, poca attenzione per i film meno noti al pubblico. E allora ben venga il rumeno A est di Bucarest (Corneliu Porumboiu - 2008): in una cittadina non precisata e non lontana dalla capitale, si discute se sia davvero avvenuta la rivoluzione dell'89, quella che portò alla caduta di Ceausescu. Quello che si cerca di capire è se la gente sia scesa in piazza prima o dopo la fuga del dittatore da Bucarest. A porsi questa domanda è il protagonista, regista televisivo, che organizza una talk-show a cui partecipano due improbabili personaggi in veste di testimoni. Dopo una prima parte molto didascalica e forse anche un po' prolissa, il film dà il meglio nella seconda parte, quando si fonde con la trasmissione televisiva, in un crescendo di situazioni grottesche e di esilaranti interventi del pubblico a casa. Alla fine la domanda non troverà risposta. Nonostante l'apparenza leggera, riesce a trasmettere l'imbarazzo di un popolo nel confrontarsi con la propria storia recente. La regia è agile nei cambiamenti di registro, dal malinconico all'ironico, dalla cronaca alla fiction. Splendide nella loro simmetria le sequenze di apertura e di chiusura.

Pc o Mac?

2008-08-29T11:59:00.000+02:00

Eccomi a Venezia! Purtroppo però non riuscirò ad aggiornarvi sulle ultime dalla Mostra del Cinema, a causa dei costi fuori dalla mia portata. Il biglietto per un film non sarebbe neanche troppo caro (8 euro, che però diventano 16 per la doppia proiezione delle 20), ma a questo va aggiunto il prezzo dei trasporti (13 euro per andare e tornare dal Lido). Insomma, più di 20 euro a pellicola sembrava eccessivo, soprattuto dopo aver visto che il programma non preannunciava granché. Fortunatamente hanno organizzato un'iniziativa parallela in città, dove vengono trasmessi all'aperto alcuni dei film in concorso e non. Si è iniziato ieri sera con A prova di spia (Joel e Ethan Coen - 2008), ultima fatica dei fratelli americani. Due impiegati di una palestra trovano un cd contenente dati apparentemente sensibili su un pezzo grosso del servizio segreto. Dopo aver tentato invano di ricattare il proprietario, si rivolgono all'ambasciata russa, generando una serie di eventi a catena che finiscono per coinvolgere diversi personaggi, grazie anche al fatto che qui "tutti scopano con tutti". Il ritorno alla commedia dei nostri eroi non poteva essere più riuscito: il film ha fin dall'inizio la verve dei lavori migliori. Si fa apprezzare soprattuto per i dialoghi vivacissimi e ricchi di umorismo surreale, accompagnati da situazioni sempre imprevedibili. Il trio di attori maschili è molto ben affiatato e recita a ottimi livelli. Se Malkovich e Clooney sono due conferme, stupisce la buona prova di Pitt: il contrasto tra la figura hollywoodiana del supermacho a confronto con il ruolo da imbranatone assegnatogli qui produce già di per sé un effetto comico notevole. È il lui il protagonista delle due scene migliori: la telefonata e il tentativo di ricatto a bordo della macchina di Malkovich. La McDormand, moglie del regista, completa perfettamente il cast. I Coen dimostrano ancora una volta la loro versatilità e come sia possibile fare ottimo cinema anche cimentandosi con generi leggeri. Speriamo che il doppiaggio italiano sia all'altezza.

Davide e Golia

2008-07-24T22:06:00.005+02:00

Un soldato americano appena rientrato dall'Iraq per una licenza viene barbaramente ucciso. Il padre, veterano di guerra, indaga personalmente e scopre un terribile retroscena, che stravolgerà i suoi ideali e suoi valori morali. Nella valle di Elah (Paul Haggis - 2007) conferma le ottime premesse espresse dal regista inglese nell'opera prima Crash - Contatto fisico. L'aspetto più interessante è la grande abilità narrativa nell'accostare la vicenda sceneggiata con l'aspetto storico del conflitto iracheno. I due filoni scorrono in modo quasi indipendente, intrecciandosi in modo sempre più frequente, con un effetto drammatico che diventa sempre più intenso. La regia è distaccata, la macchina da presa non è mai invadente, ma riesce comunque a descrivere in profondità i sentimenti dei protagonisti. Due dei momenti più forti, l'abbraccio dei genitori dopo la visita ai resti del figlio e la partenza della salma fasciata nella bandiera, sono ripresi dal fondo di un corridoio con camera fissa. Il film è girato soprattutto in interni, illuminati da luci sempre molto intense e spesso molto fredde. Ottime prove di Tommy Lee Jones, che nonostante il ruolo dominante evita il facile istrionismo, e Susan Sarandon, con una parte breve ma toccante. Charlize Theron, invece, interpreta la giovane poliziotta in modo troppo enfatico e poco convincente. Non è la guerra in Iraq vista da fuori, ma è l'America vista da dentro. La sequenza finale è da antologia.

In un mondo perfetto

2008-07-15T00:55:00.002+02:00

Da una parte c'è Cormac McCarthy, forse uno dei migliori scrittori americani viventi e certamente il più bravo a raccontare la frontiera. Dall'altra di sono i fratelli Coen, tra i migliori registi in circolazione e anch'essi particolarmente a loro agio nell'America di provincia (se non avete visto Fargo è il momento di rimediare). La combinazione dei due elementi produce un film di altissimo livello, con il quale i fan finalmente possono tirare un respiro di sollievo, dopo due prove non proprio convincenti (anche se Prima ti sposo, poi ti rovino era meno stupido di quanto potesse apparire, mentre Ladykillers era davvero inaffrontabile). Non è un paese per vecchi (Joel e Ethan Coen - 2007) è decisamente un capolavoro, un film in cui nulla è fuori posto, in cui ogni componente si fonde con le altre in un equilibrio perfetto: regia, fotografia, recitazione, montaggio... Il tris di attori è ottimo, con Bardem che ha quel qualcosa in più. Proprio il suo personaggio, per quanto inquitante nella sua spietatezza, contribuisce a introdurre una raffinata componente di humour nero che non manca mai nelle pellicole dei Coen. Il libro di McCarthy, con il suo stile essenziale e la sua prosa rapida, ha certamente aiutato nella stesura della sceneggiatura.
Alcuni anni fa, la striscia promozionale su una monografia a loro dedicata recitava: "In un mondo perfetto tutti i film sarebbero diretti dai fratelli Coen". Il mondo non sarà perfetto, ma questo film ci si avvicina molto. E io mi accontento.

Non sono gli anni, sono i chilometri

2008-05-28T22:33:00.004+02:00

Dopo quasi vent'anni ritorna al cinema Indiana Jones, interpretato immancabilmente da un Harrison Ford non più giovanissimo. A differenza di altre operazioni nostalgia, il nuovo film di Spielberg non fa rimpiangere più di tanto i titoli precedenti, anche se gli aficionados probabilmente faticheranno a rivivere le stesse emozioni. La sceneggiatura di Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo (Steven Spielberg - 2008) è per la verità piuttosto sbroccata, ma comunque discretamente in linea con la tradizione: il nostro eroe è alle prese con un misterioso teschio di cristallo, di origine extraterrestre, che lo porterà in Sudamerica tra le rovine delle civiltà precolombiane. Tra le novità più interessanti la presenza del figlio sconosciuto di Indy, mentre il nemico da combattere (in accordo anche con lo svolgersi degli eventi storici) non sono più i nazisti, ma i russi e il KGB, all'alba della guerra fredda. Tra le cose migliori la recitazione di Harrison Ford, che rinuncia a fare l'invincibile e gioca in maniera autoironica sui limiti dell'età che avanza per lui come per il suo personaggio: non si vergogna di mostrarsi impacciato e gli capita spesso di inciampare o mancare il bersaglio, creando un effetto comico molto efficace. Ottime come sempre le scene d'azione, scandite e preannunciate dall'indimenticabile motivo musicale di John Williams, e ovviamente decisamente migliorati gli effetti speciali. Non convince del tutto la fotografia, limitata dall'uso di colori un po' freddi in molti tratti. Da vedere assolutamente sul grande schermo.

Il saggio

2008-05-14T00:13:00.004+02:00

Realizzato come saggio finale alla scuola di regia, Il rullo compressore e il violino (Andrej Tarkovskij - 1960) è un piccolo capolavoro, che merita di essere visto e che va al di là del semplice interesse cinefilo. Racconta dell'amicizia tra un bambino che studia il violino e un giovano operaio, addetto alle manovre di un rullo compressore in una via della città. Nonostante la sua semplicità, la sceneggiatura nelle mani di Tarkovskij diventa il bellissimo ritratto di un'amicizia improbabile, tra due personaggi molto distanti tra loro, non solo per età. Il regista russo, all'epoca ventottenne, mostra già il suo grande talento visionario, basandosi quasi sempre sugli effetti della luce naturale e creando immagini limpide e luminose. Paradossalmente, le opere successive sono sempre molto più cupe e da nessuna trapela la stessa leggerezza che si riscontra in questa breve pellicola. Si vede, ed è inevitabile, che non è un'opera matura, ma questo contribuisce solo a renderla più piacevole. Musica essenziale, ovviamente a base di archi. Un piccolo premio per chi si è sorbito Nostalghia.

Provaci ancora

2008-04-15T21:17:00.006+02:00

Dopo Lumet, torna nelle sale anche Woody Allen. Certo, nel caso del regista newyorkese, classe 1935, l'attesa è stata breve, visto che questo Sogni e delitti (Woody Allen - 2008) è la sua trentottesima pellicola in quarantanni di carriera e il precedente Scoop è uscito meno di un anno fa. Strana coincidenza, i due registi hanno proposto due storie molto simili tra loro. Anche qui si racconta di due fratelli a cui si presenta la grande occasione per risollevare le proprie finanze, ma che si rivelerà un pericoloso boomerang. Nonostante l'ottima direzione degli attori e lo stile sobrio che ha caratterizzato i suoi ultimi lavori, non riesco a farmi piacere questo nuovo Allen europeo, giunto già al terzo lavoro fuori dagli Stati Uniti. Se in Scoop aver cercato di recuperare un po' della sua inconfondibile ironia, ma con risultati poco convincenti, qui ritorna ai toni drammatici di Match Point, scegliendo ancora una volta di rappresentare senza pietà il lato peggiore suoi personaggi. Perde per strada però l'originalità e il ritmo che erano il suo marchi di fabbrica. Ne viene fuori un film apprezzabile, ma senza personalità. Riuscita comunque la scelta degli attori, Farrell soprattutto ma anche McGregor, solitamente votati a ruoli molto diversi, ma che sembrano perfettamente a loro agio.

La parola ai maestri

2008-03-24T23:07:00.004+01:00

Due fratelli alle prese con qualche piccolo problema economico decidono di dare una svolta alle loro vite progettando un colpo in una piccola gioielleria di periferia. Ma il lavoretto semplice e pulito si rivela un disastro, trascinandoli in una serie di complicazioni inaspettate. A 83 anni, Lumet dirige con l'energia di un esordiente, imprimendo alla pellicola uno stile sobrio ed elegante, che mescola originalità e sapienza registica (indimenticabile la sequenza che parte dal dettaglio della foto sul giornale per allargarsi alla scena del funerale). Onora il padre e la madre (Sidney Lumet - 2007) è costruito con una serie di flashback a incastro e sovrapposizione, che rimandano un po' a Rashomon e molto a Rapina a mano armata. Ma è nella raffinata analisi psicologica dei protagonisti che il regista di Quel pomeriggio di un giorno da cani mostra il suo grande talento, supportato anche da un ottimo il cast di attori (soprattutto Hoffmann, gia' visto ne La 25ma ora). Ci sono poi un paio di geniali personaggi secondari, lo spacciatore orientale e il vecchio commerciante di diamanti, che elevano il film al di sopra della media. La fotografia e' molto fredda, talvolta sovraesposta, in una Manhattan dai mille volti. Il titolo italiano non è eccessivamente alternativo, ma l'originale era certamente più intrigante. Peccato averlo visto dalla seconda fila, così la prossima volta imparo ad arrivare al cinema in ritardo.

Gli spazi sono fatti per andare

2008-02-01T01:52:00.000+01:00

Into the wild (Sean Penn - 2007) è la storia vera di Christopher McCandless, alias Alex Supertramp, che, ottenuta la laurea al college e spediti i suoi ventiquattromila dollari di risparmi ad un'associazione di beneficienza, molla tutto e parte in autostop dalla Virginia verso l'Alaska. Troverà rifugio in un autobus abbandonato in mezzo ai ghiacci del nord dove vivrà da eremita per alcune settimane, cacciando, leggendo e scrivendo sul suo diario. Il "magic bus" fa da perno alla struttura narrativa del film che alterna le sequenze in Alaska a lunghi flashback che raccontano il viaggio attraverso l'America, in una sorta di percorso di formazione e maturazione, scandito da diversi capitoli e dagli incontri con vari personaggi. Sean Penn conferma la sua grande abilità registica e la capacità di confrontarsi con paesaggi imponenti (come già ne La promessa). Tuttavia qui si lascia prendere la mano un po' troppo spesso, andando insistentemente alla ricerca dell'inquadratura ad effetto e del panorama mozzafiato, in maniera poco equilibrata. Esagera poi con l'uso del ralenty che alla lunga perde così il suo potere emozionale e propone addirittura, in più di un'occasione, un tremendo split-screen, che in un film di questo tipo è un pugno nello stomaco. Anche il suo rapporto con la storia è piuttosto contradditorio, oscillando tra l'esaltazione delle vicende del protagonista (con implicita critica alla società contemporanea) e uno sguardo talvolta troppo distaccato che mandano in confusione lo spettatore. I numerosi inserti in cui l'infanzia di Christopher viene raccontata dalla voce fuori campo della sorella suonano come un grottesco tentativo di analisi psicologica, alla ricerca di una spiegazione o di una giustificazione alla fuga istintiva di un uomo verso la libertà. Peccato, perché aveva tutti gli elementi per essere un ottimo road movie, ma alla fine di buono restano solo le canzoni di Eddie Vedder (leader dei Pearl Jam) in colonna sonora. Il tagliaerba di David Lynch è su un altro pianeta.

Per la stessa ragione del viaggio...

2008-01-26T16:17:00.000+01:00

Invitato a Lisbona da un amico regista per collaborare ad un suo film, Philip, tecnico del suono tedesco, arriva in Portogallo dalla Germania. Ma dell'amico non c'è traccia. Fa amicizia con alcuni ragazzini e si innamora di una cantante, mentre vaga per la città registrando suoni. Lisbon Story (Wim Wenders - 1995) doveva essere solo un documentario su commissione, si trasforma invece in un film piacevolissimo, in puro stile Wenders, tra scorci della capitale lusitana, piccoli ritratti di vita quotidiana, poesie di Pessoa e la musica dei Madredeus. I membri del gruppo folk portoghese, che raggiunsero grazie al film la notorietà internazionale, partecipano anche come attori. Peccato non averlo visto in originale: la versione italiana, nonostante l'uso dei sottotitoli in numerose occasioni, non permette di apprezzare fino in fondo l'incontro tra le lingue dei diversi personaggi. Degni di nota i titoli di testa: brevi spezzoni lungo le autostrade di un'Europa senza più frontiere tratteggiano il viaggio di Philip a bordo di una vecchia Citroen, che lo abbandonerà a pochi chilometri dalla meta, mentre la musica e le voci della radio parlano lingue sempre diverse. Espressamente dedicato a Federico Fellini, ma a ben guardare anche a Keaton, a Vertov e all'arte cinematografica.

Strade dell'est

2008-01-04T17:25:00.000+01:00

Non divento matto per il cinema orientale, come i lettori più affezionati avranno già capito. Conosco un po' alcuni classici (Kurosawa, Mizoguchi, Ozu, Yimou) e quasi per nulla gli autori recenti. Sono stato però attratto, un po' anche per il titolo curioso, da Tabù - Gohatto (Nagisa Oshima - 1999), trasmesso poco tempo fa dal solito Ghezzi. Nel contesto storico della lotta tra Shogun e Imperatore nel Giappone di metà ottocento, una milizia di samurai è sconvolta dall'arruolamento del giovane Kano, appena diciottenne, ma già incredibilmente abile nel combattimento. Il suo aspetto fanciullesco mette in subbuglio il rigido ordine militare, stimolando le attenzioni di molti compagni e provocando invidie e gelosie. Il film ha il pregio di trattare un tema delicato evitando gli eccessi, mantenendo sempre uno stile sobrio ed elegante e cercando di far prevalere l'aspetto narrativo. Interessante l'interpretazione da parte del regista Takeshi Kitano, condita da un certo senso di ironia che, insieme alla voce fuori campo che legge alcune didascalie, contribuisce a rendere l'atmosfera non troppo formale e la pellicola più godibile. È un ottimo film d'avventura, che mescola la lezione di Kurosawa con lo stile raffinato di Oshima.

L'erede

2007-12-24T11:43:00.000+01:00

Nelle settimane passate, grazie a RaiTre e al grande Enrico Ghezzi, è stato possibile vedere o rivedere alcune opere di due tra i registi più rappresentativi del cinema sovietico e post-sovietico, Andrej Tarkovskij e Aleksandr Sokurov. Mentre per il primo sono stati riproposti alcuni classici, come Lo specchio e l'inarrivabile Stalker, per il secondo si è trattato di un'occasione per recuperare alcune opere mai arrivate in Italia e recentemente riproposte al Festival di Torino, tra cui spiccano Toro, sugli ultimi giorni della vita di Lenin (secondo capitolo della trilogia sui dittatori, tra Moloch e Il Sole), La voce solitaria dell'uomo (opera prima) e I giorni dell'eclisse (Aleksandr Sokurov - 1988). Si tratta di un film piuttosto contorto che narra la storia di un medico russo in esilio volontario in un paesino del Turkmenistan, che si trova alle prese con una strana ondata di calore e con ambigui personaggi. Oggettivamente troppo lungo e a tratti noioso, si distingue per l'originalità della fotografia, curata dallo stesso Sokurov, che alterna continuamente il bianco e nero al colore e ai toni seppia. Si nota, nell'atmosfera allucinata e alienante di alcune sequenze, la chiara influenza del cinema di Tarkovskij, ma si inizia ad intravedere anche lo stile personale del suo erede.

Icaro

2007-11-21T23:22:00.000+01:00

In un imprecisato futuro, un gruppo di scienziati viene imbarcato su una navicella spaziale con il compito di sganciare un enorme ordigno nucleare sul Sole, nel tentativo di rianimare la nostra stella ormai morente. Nonostante questa improbabile sceneggiatura, che sembrava inserirsi nel filone fanta-catastrofico insieme ad asteroidi assasini, disastri climatici e nuclei terrestri pigri, Sunshine (Danny Boyle - 2007) ha superato le mie aspettative. L'approccio è molto minimalista, l'azione limitata, mentre viene dato grande risalto ai dialoghi e alle interazioni tra i personaggi. Nonostante la presenza del supercomputer parlante, non sembra il caso di scomodare 2001; l'atmosfera allucinata rimanda più che altro al Solaris di Tarkovskij e al primo Alien, soprattutto per un certo senso di claustrofobia che si prova inevitabilmente dopo le prime sequenze. Dal punto di vista tecnico, è ottima la ricostruzione della superficie solare e l'incontro con Mercurio è uno dei momenti visivamente più emozionanti. Tuttavia, la regia è a volte un po' confusa, con esagerati contrasti di luce e la macchina da presa che va spesso fuori fuoco senza motivo apparente. La musica è essenziale, accompagnata da effetti elettronici. Non è certo un capolavoro, ma si fa notare nel panorama della fantascienza recente.

18 bobine

2007-11-06T13:43:00.000+01:00

Forse anche a causa degli anatemi fantozziani, il nome di Dreyer è sempre associato a film piuttosto impegnativi, sia per lo stile che per il contenuto, anche se non è vero, come sosteneva il ragioniere, che Dies Irae dura sei ore, ma un centinaio di minuti. Il fortunato personaggio di Paolo Villaggio avrebbe comunque trovato più sollievo assistendo alla proiezione de L'angelo del focolare (Carl Theodor Dreyer - 1925). La pellicola infatti costituisce un capitolo abbastanza anomalo nella filmografia del maestro danese. Storia di una famiglia capeggiata da un padre tiranno, che scarica le sue frustrazioni sulla moglie devota, ha un inizio classico che sembra destinato ad evolvere in un cupo dramma domestico, ma si rivela poi essere una divertente favoletta con spunti ironici e una certa leggerezza di fondo. Per punire il despota, la suocera e la vecchia nutrice spediscono la moglie in campagna e si prendono cura della casa, suscitando nostalgia e pentimento nell'uomo. Facile la metafora femminista, ma il film ha il pregio di non prendersi eccessivamente sul serio. Gli attori sono bravi, spiccano le ottime prove del protagonista e della nutrice, tra cui si instaura una specie di duello. Muto e senza musica, girato quasi completamente tra le mura di un piccolo appartamento, mette in risalto lo stile essenziale di Dreyer. Da vedere come premio, solo dopo aver visto, come minimo, La passione di Giovanna d'Arco, Dies Irae e Ordet. Il professor Riccardelli ne ha sicuramente una copia.

With no direction home

2007-10-27T15:11:00.000+02:00

Le tre sepolture (Tommy Lee Jones - 2007), sono quelle che deve subire Melquiades Estrada, ucciso da Mike, un violento agente di frontiera americano, senza motivo apparente. L'amico Pete farà di tutto perché il colpevole venga punito e soprattutto per riportare in Messico il corpo dell'amico, rispettando una vecchia promessa. Sorprendente esordio alla regia del sessantenne Tommy Lee Jones, che si ritaglia anche la parte di Pete e disegna uno splendido ritratto della provincia americana del profondo Sud, nella zona di confine con il Messico. Come Laura Palmer in Twin Peaks, la morte di Melqiuades incrocia le vicende di una serie di personaggi, la polizia locale, la moglie annoiata di Mike, la cameriera di un bar che "arrotonda" con i clienti, i messicani che cercano di varcare clandestinamente la frontiera. Nella prima parte è ricco di flashback e di scene che si ripetono da diversi punti di vista, con un ritmo serrato fatto di brevi sequenze descrittive (si vede la mano di Arriaga, già sceneggiatore di Amores Perros e 21 grammi). Poi sfuma gradualmente in un road movie lento con echi western, che segue Pete attraverso il Messico alla ricerca del paese nativo di Melquiades, in una sorta di viaggio della speranza inverso.
La fotografia e' particolarmente luminosa, sia negli interni che negli sconfinati panorami, raffreddati però talvolta dall'uso un po' eccessivo del digitale.

Tu quoque

2007-10-27T14:52:00.000+02:00

Ascesa e declino del gangster di origini italiane Rico Bandello nella Chicago degli anni '20. Piccolo Cesare (Mervyn LeRoy - 1930) e' il soprannome dello spietato e cinico Bandello, che finirà tradito da un suo giovane protetto e dal suo stesso orgoglio. LeRoy costruisce il film intorno al protagonista, interpretato con ottima ispirazione da Edward Robinson, ma il meccanismo narrativo fatica a prendere il ritmo, anche a causa dei dialoghi un po' datati, che il doppiaggio recente rende solo più freddi (il protagonista ha la voce improbabile di Sean Connery). Girato in studio, con un numero insolitamente alto di scene in interno, riesce comunque a ricreare l'atmosfera dell'epoca con efficacia.

Scrittori

2007-10-06T23:36:00.000+02:00

Da un po' di tempo a questa parte mi chiedo se e quanto abbia senso mettere a confronto i film con i romanzi, le novelle o i racconti da cui sono tratti. Mi sto convincendo che si tratta di una manovra che rischia di essere pericolosamente riduttiva. Il cinema e la letteratura sono due forme d'arte molto diverse tra loro, che condividono l'aspetto puramente narrativo, ma si servono di strumenti completamente diversi. Se si valuta un film pensando al libro si rischia di limitarsi a cercarne le affinita' e le differenze nello svolgersi della trama, perdendo di vista tutto il resto. Per assistere alla proiezione di Espiazione (Joe Wright - 2006) ho dovuto quindi fare uno sforzo notevole per mettere da parte lo splendido romanzo di Ian McEwan, che ho letto, per pura coincidenza, poche settimane fa. Diviso in tre parti, racconta la vicenda di Briony Tallis, una ragazzina con ambizioni da scrittrice e un'immaginazione troppo vivace, che accusa ingiustamente il giovane Robbie, figlio della governante e in rapporti intimi con Cecilia, la sorella maggiore di Briony, di un terribile delitto. Nonostante la promettente scenggiatura, la prima parte del film è piuttosto deludente: mostra una regia impeccabile, ricca di ottimi espedienti narrativi, ma priva di personalità, tutta tecnica e niente stile, perfetta ma senz'anima. Poi però le cose migliorano, con una seconda parte superlativa che finalmente riesce a emozionare senza perdere l'eleganza iniziale (c'è qui uno straordinario piano sequenza di alcuni minuti che insegue Robbie soldato nella sua lunga camminata sulla spiaggia in mezzo ai soldati britannici in attesa di imbarcarsi). Non a caso proprio Robbie, protagonista di questa parte centrale, è anche il più riuscito dei tre protagonisti. La figura di Briony da ragazzina è, invece, appena abbozzata, nonostante giochi un ruolo fonamentale, mentre non si capisce perché Cecilia debba essere così antipatica per tutta la durata del film. Il finale libera tutta la potenza emotiva, grazie anche all'ottima interpretazione di Vanessa Redgrave di Briony ormai anziana. Piacevole la colonna sonora, che si segnala per la scelta originale di accompagnare alcuni brani col battito di una macchina da scrivere, in linea con i titoli di testa e di coda. L'autore del romanzo figura tra i produttori esecutivi, si suppone che abbia approvato.

Il cacciatore

2007-09-17T22:41:00.000+02:00

Frank White è appena uscito di prigione, ma non ci mette molto a riprendere il controllo del traffico di droga della città eliminando tutte le gang rivali. Nel frattempo si dedica ad attività di beneficenza in favore dei quartieri poveri, ma la polizia tenta di incastrarlo. King of New York (Abel Ferrara - 1990) è un film fatto di forti contrasti, che è possibile scorgere già nella fotografia che alterna colori caldi a gelide luci al neon. Ambigua anche la figura del protagonista, un gangster spietato ma coerente e guidato da una propria morale. Girato esclusivamente di notte, contiene una buona dose di violenza e ha ottime scene d'azione in stile Carpenter, in particolare nella sequenza dell'inseguimento sotto una pioggia fittissima. Il cast è all'altezza, con Chrisopher Walken che giganteggia nella parte del protagonista, ma un ruolo di rilievo lo gioca anche la stessa New York, scenografia che si eleva a personaggio... la Los Angeles di Blade Runner non è poi così lontana. Tra le chicche, il boss giapponese che nella sua sala di proiezione personale tratta partite di droga mentre guarda il Nosferatu di Murnau. Colonna sonora appena percettibile. Ferrara non mostra niente di nuovo, ma sa mettere insieme tanti piccoli ingredienti in un lavoro di qualità e la sua mano alla fine si vede.

Il buono e il cattivo

2007-09-06T23:22:00.000+02:00

Dopo la fine della guerra d'indipendenza americana, un soldato sudista ripara in Messico nel pieno della rivoluzione contro l'imperatore Massimiliano. Insieme ad un connazionale incontrato sul posto accetta di scortare una nobildonna e il suo carico d'oro attraverso il paese in cambio della solita ricca ricompensa. Vera Cruz (Robert Aldrich - 1954) è un film d'avventura con sfumature western: whisky, cavalli, pistole e dialoghi fatti di sguardi prima che di parole. L'ambientazione messicana gli dà un tocco esotico e fa molto Pechinpah. L'azione tuttavia non è straripante, il film è giocato molto sulle attese, su un senso di incombenza e alla fine le poche scene con un po' di movimento risultano quasi le meno riuscite, nonostante un'indiscutibile abilità nel gestire una mole impressionante di comparse. La vera forza del film sta nella coppia Cooper-Lancaster, perfettamente a loro agio nella parte del vecchio saggio e del giovane impulsivo (anche se la reale differenza d'età tra i due è di una decina d'anni). Fotografia molto luminosa, con un Technicolor insolitamente equilibrato. Da guardare senza pretese, almeno per scoprire che Vera Cruz non è il nome di una donna...

Homer in 35 mm

2007-07-29T23:23:00.000+02:00

Come rendere I Simpsons più divertenti? Semplice, allungando i venti minuti scarsi in cui li confina il format della serie televisiva. Impresa rischiosa, rischiosissima, io ancora non mi sono ripreso da Fuoco cammina con me, tremenda promozione a 16:9 del gioiello Twin Peaks. Forse è meno rischioso fare il seguito di un film di successo, almeno qui la statistica un po' aiuta (Il Padrino, Indiana Jones...). Ma con I Simpsons - Il film (David Silverman - 2007) la banda di Matt Groening crea qualcosa di inaspettato. Merito di una sceneggiatura divertente, ricca di digressioni che danno voce a tutti i personaggi (mai vista Maggie tanto protagonista), che riesce a essere originale e al contempo a tener fede alle caratteristiche che hanno reso il cartoon così apprezzato. Il disegno è più curato (forse è la magia del grande schermo) pur conservando la sua inconfondibile semplicità. Degne di nota la sigla più estesa e il nuovo "Viaggio misterioso di Homer", a forti tinte surrealiste, che a un certo punto sembra sia stato disegnato da Dalì in persona. È un film fatto con intelligenza, non la solita operazione commerciale. E il risultato e che si ride tanto, dal jingle della Fox fino all'ultimo dei titoli di coda.

Storielle ebraiche

2007-07-10T23:46:00.000+02:00

L'olocausto è un tema difficile da mettere in scena, altissimo è infatti il rischio di essere banali, troppo retorici, di esagerare nella rappresentazione della violenza o di sminuirne la portata. Il cinema ha prodotto un generoso numero di pellicole (tra documentari, ricostruzioni storiche, vicende personali più o meno romanzate), qualche ottimo film (Spielberg, Benigni, Resnais) e almeno un capolavoro (Polanski, con Il pianista, insuperabile). Meno memorabile, invece, il recente Jakob il bugiardo (Peter Kassovitz - 1999): in un ghetto Polacco durante l'occupazione tedesca si diffonde la notizia (falsa) che Jakob possiede una radio, grazie alla quale avrebbe saputo dell'imminente liberazione da parte dei russi. Jakob approfietterà della situazione propugnando falsi bollettini di guerra per tenere alto il morale della comunità ebraica. Inserito in un set costruito con estrema cura, ma che risulta poco credibile ed eccessivamente "pulito", il film ha qualche debito con La vita è bella, ma manca della raffinata poesia che ha reso grande il film italiano. Il personaggio di Jakob non si adatta alla vena istrionica di Williams, la cui figura è ormai inevitabilmente associata a personaggi di tutt'altro tipo, e anche gli altri risultano poco originali e al limite della parodia. La regia di Peter Kassovitz, padre di Mathieu, è comunque piacevole.

L'uomo con la macchina da presa

2007-06-26T11:28:00.001+02:00

Uno squinternato fotografo di strada si innamora di una giovane segretaria della MGM. Esauriti i suoi risparmi in una scassata macchina da presa cerca di farsi assumere come operatore, ma i suoi primi tentativi produrrano solo immagini sconnesse. Con il sostegno della ragazza ha la sua grande occasione durante una rivolta al quartiere cinese, rischia di rovinare tutto un'altra volta, ma conquista infine l'amore e il successo grazie ad un atto di eroismo. Non ci sono parole per definire Il cameraman (Buster Keaton - 1928), è un capolavoro, il miglior film di Keaton in assoluto e credo uno dei film comici più belli che abbia mai visto. Il ritmo è fenomenale, le gag non si contano, la sola figura del protagonista con in mano lo sgangherato apparecchio è spesso sufficiente per innescare il meccanismo comico. È anche il film in cui il regista americano incarna una figura che avvicina (e forse supera) i livelli del vagabondo di Chaplin, per la capacità di trasmettere compassione e complicità nello spettatore (basti pensare alla relazione che durante tutto il film lega Buster al poliziotto, che se lo ritrova davanti nelle situazioni più diverse). Non mancano i consueti impressionanti virtuosismi atletici, ma influiscono meno sulla riuscita delle gag rispetto ai lavori precedenti. La pellicola mette in luce doti registiche inaspettate: la capacità di girare scene di massa, di alternare scenari e ambientazioni diverse e l'idea di cinema nel cinema, presente già in La palla n. 13, ma portata qui a livelli più astratti. Be', alla fine le parole lo ho trovate... non perdetelo, assolutamente!

La lettera

2007-06-19T11:08:00.000+02:00

Lo so, sono fissato, però non ci posso fare niente se i noir mi piacciono tanto. Ombre malesi (William Wyler - 1940) è un thriller un po' atipico, perché conosciamo l'assissino già dalla prima sequenza e non siamo i soli, nonostante la posizione privilegiata di spettatori, perché l'omicida, una donna, si costituisce quasi subito, giustificando il gesto come un atto di legittima difesa nei confronti della avances insistenti della vittima. Tutti sembrano credere alla sua versione, ma poi la comparsa di una misteriosa lettera rende la situazione più ingarbugliata, in un crescendo di tensione. Anche l'ambientazione è particolare (ma neanche poi tanto, pensando a Casablanca): una piantagione di gomma in estremo oriente. Bette Davis nel ruolo dell'enigmatica protagonista è superlativa e mette in ombra i pur bravi co-protagonisti maschili. Gli archi di Max Steiner (autore di musiche anche per King Kong, Sentieri selvaggi, Il grande sonno, Casablanca...) accompagnano l'azione con equilibrio e puntialità, muovendosi talvolta anche su qualche tonalità orientale. Il titolo italiano rende giustizia agli splendidi giochi di luce della fotografia. Non è un capolavoro, ma se vi piace il genere è un film più che apprezzabile.

Pane, amore e fantasia

2007-05-28T23:09:00.000+02:00

Innamorato della parrucchiera del quartiere, il piccolo Antoine decide che da grande dovrà averne una come moglie. Il suo propsito diventa realtà quando incontra la bella Matilde. Abilmente alternato, soprattutto nella prima parte, tra l'adolescenza e l'età adulta del protagonista, Il marito della parrucchiera (Patrice Leconte - 1990) è considerato l'opera migliore del regista francese. Anche se personalmente continuo a preferire Tandem, dell'87 ma uscito da noi solo nel 2003 (chissà perché poi), è il film che racchiude l'essenza del cinema di Leconte, fatto di un'ironica leggerezza, che nasconde però un certo pessimismo di fondo e una velata crudeltà nei confronti dei suoi personaggi, sintetizzata nella battuta finale.
La figura della parrucchiera di cui si innamore Antoine da ragazzo richiama palesemente la tabaccaia di Amarcord. L'abituale Rochefort è elegante come sempre, mentre Anna Galiena non sembra pienamente inserita nella parte, nonostante un indiscutibile fascino. La narrazione in prima persona del protagonista in fuori campo è ben calibrata e arricchita da immagini e metafore originali.

Facce da noir

2007-05-12T15:31:00.000+02:00

Non è facile definire il genere noir, credo di averne gia' parlato qualche tempo fa. In letteratura e' considerato un sottogenere del romanzo giallo, ma al cinema l'uso delle luci e della fotografia permette di elevare il noir a qualcosa di piu' di un thriller o di un poliziesco, e' una sensazione, un'atmosfera particolare che si crea intorno allo spettatore.
L'attore stereotipo di questo tipo di pellicole, un po' come John Wayne nei western, è stato probabilmente Humphrey Bogart, sempre alle prese con personaggi ambigui dallo sguardo profondo, dall'espressione enigmatica e dai modi spicci. Indimenticabile ne Il grande sonno di Hawks, con Il diritto di uccidere (Nicholas Ray - 1950) si cala nei panni di un soggettista di Hollywood che si trova coinvolto, per una sfortunata coincidenza, nell'omicidio di una giovane guardarobiera degli studios. Ray dirige senza fronzoli, con uno stile semplice e un ritmo ben bilanciato. E circonda il protagonista di ottimi interpreti.
Peccato che il noir in tempi recenti abbia trovato poca fortuna; ci hanno provato (riuscendo benissimo) i Coen, con L'uomo che non c'era, dovendo pero' arrendersi a distribuire una versione a colori per il mercato americano.

Il fabbricante di sogni

2007-04-29T18:59:00.000+02:00

Nella pianura povera del primo dopoguerra, in una famiglia con troppe bocche da sfamare, Gelsomina viene affidata ad un artista girovago di nome Zampanò che attraversa l'Italia sul suo carrozzone spezzando catene con i muscoli del petto.
La strada (Federico Fellini - 1954) è una storia neorealista immersa nel mondo onirico e fantastico di Fellini, in cui Giulietta Masina e' un folletto che recita con gli occhi, prima che con il corpo, che da soli riempono lo schermo e incarna le grandi figure comiche del passato: l'allegria malinconica di Chaplin e la svagatezza maldestra di Stan Laurel. Il breve duetto con il violino e il trombone e' cinema da antologia. Grande prova anche di Anthony Quinn nei panni del burbero Zampanò. La musica di Nino Rota e' meno memorabile (memorizzabile) che in altre occasioni, ma i motivetti sono adatti.

Fantastoria

2007-04-08T23:40:00.000+02:00

Durante la seconda guerra mondiale, i nazisti occupano un piccolo paese sui Carpazi, situato in posizione strategica, e la misteriosa fortezza che vi si trova. Nonostante gli avvertimenti degli abitanti, libereranno le forze del male celate al suo interno con tutto ciò che ne consegue. La fortezza (Michael Mann - 1983) è senza dubbio il film meno riuscito del regista americano. Soprattutto nella prima parte, fa molta leva sull'aspetto affascinante del villaggio tra le rocce, ma esaurisce rapidamente la poca forza che riesce a cavarne. È invece proprio a causa dell'ambientazione prevalentemente chiusa che Mann fatica a dare respiro alla sua vocazione di cineasta d'azione. Inevitabilmente datati gli effetti speciali, si salva solo la colonna sonora dei Tangerine Dream.

Omaggi

2007-03-03T12:41:00.000+01:00

L'Oscar a Scorsese, pur meritatissimo considerando la carriera del personaggio, non va certo a premiare uno dei suoi capolavori. Del resto l'Oscar, e i premi in generale, non sono sempre garanzia di qualità, tutt'altro. Si ricordano statuette assegnate a film mediocri (American Beauty?) e soprattutto clamorose dimenticanze (Kubrick...). Scorsese meritava sicuramente di più con Casino, Toro Scatenato, Taxi Driver, ma possiamo considerare questo tardivo riconoscimento come un premio alla carriera. Sono davvero pochi i registi che possono vantare una filmografia come la sua: tutto merita di essere visto, almeno una volta. Tra le varie opere c'è una perla che finora mi era sfuggita ma che per fortuna ho recuperato, il documentario Viaggio nel cinema americano (Martin Scorsese - 1995). Il regista guida lo spettatore attraverso più di cento film, da Griffith a Kubrick, passando per Chaplin, Minnelli, Hitchcock, Ford, Kazan..., a cui dedica larghi estratti, con commenti sempre puntuali che fanno notare particolari sottili. Spazia tra i generi (western, gangster movie, musical, noir...), mostra i trucchi del mestiere, le tecniche, ma sempre in modo semplice, con l'entusiasmo cinefilo appassionato, del bambino che andava al cinematografo accompagnato dalla madre. Tantissimi gli inserti con brevi interviste a Eastwood, Lucas, Coppola, De Palma, Orson Welles e moltissimi altri. Interessante la parte dedicata al rapporto regista-produzione e alla sua evoluzione nel corso degli anni, e al ruolo della censura. Il racconto si interrompe, purtroppo, dopo quasi quattro ore senza un solo momento morto, alla fine degli anni sessanta: qui inizia la sua storia, la sua carriera, che preferisce non raccontare per ragioni di obiettività. Peccato per la conclusione, in cui Scorsese si lancia in un'improbabile parallelo tra cinema e fede, ma resta un documentario da non perdere assolutamente perché il cinema, come diceva King Vidor, è come una malattia del sangue che quando ti entra nelle vene non ti lascia più.

Riserve

2007-02-12T11:18:00.000+01:00

Nell'attesa che qualche sala trovi il coraggio di mettere in cartellone i 182 deliranti minuti dell'ultimo incomprensibile (capo)lavoro di David Lynch, da povero cinefilo di provincia mi tocca accontentarmi di quello che trovo. Le luci della sera (Aki Kaurismäki - 2007) pareva essere una discreta alternativa. Storia di un triste e solitario guardiano notturno, che trova l'amore di una donna, ma finisce vittima di un raggiro da parte di una banda di rapinatori. La fotografia rende onore al titolo ed si esalta grazie ai colori dei tramonti nordici. Costruito con brevi sequenze separate da semplici dissolvenze al nero, si limita a descrivere con sguardo distaccato le peripezie dello sfortunato protagonista. Curioso e piacevole il mix dei brani che compone la colonna sonora. Ultimo capitolo della Trilogia dei perdenti, nonostante lo stile sempre elegante e raffinato, è un passo indietro rispetto al precedente L'uomo senza passato, molto meno coinvolgente e forse troppo cinico. Se proprio non trovate Inland Empire, piuttosto che tornare a casa... Poi fatemi sapere se le due parentesi sopra si possono levare.

Gola profonda

2007-01-27T15:33:00.000+01:00

È il 17 giugno del 1972 quando cinque uomini vengono arrestati per essersi introdotti illegalmente nell'ufficio del Comitato nazionale democratico, che si occupava della campagna elettorale per le elezioni presidenziali. Inizia così lo scandalo Watergate che poco più di due anni dopo porterà alle dimissioni del presidente repubblicano Nixon, accusato di aver tentato di interferire nell'attività politica degli oppositori Democratici. Tutti gli uomini del presidente (Alan J. Pakula - 1976) è la storia dell'indagine portata avanti coraggiosamente da due giornalisti del Washington Post, Woodward e Bernstein, subito dopo l'arresto dei cinque uomini, per evitare che la vicenda venisse insabbiata dai poteri forti. Il film si mantiene per oltre due ore su un livello di tensione altissimo, ma senza sbalzi, con grande equilibrio e con un uso limitatissimo della musica. Straordinario Redford, leggermente meno a suo agio Hoffmann. Interessante la figura dell'uomo che fuma, il misterioso informatore a cui fa appello Redford nei momenti difficili, uno stereotipo ripreso poi anche nella serie di X-Files. Eccezionale la sequenza nella biblioteca del Congresso, ripresa dall'alto in una serie di zoom all'indietro (e citata anche in una puntata dei Simpson). La trama è intricata e ricca di elementi diversi, si rischia di perdersi, ma al tempo stesso efficace nel rendere l'esperienza vissuta dai protagonisti. Fotografia adeguta: raramente al cinema si è vista un'America così grigia e smitizzata.

London calling

2007-01-06T00:55:00.000+01:00

Premesso che adoro Woody Allen e che conosco bene il suo cinema avendo visto tutta la sua filmografia (37 film!), devo ammettere che non riesco ad affezionarmi alla nuova veste londinese dei suoi due ultimi lavori. Ho apprezzato poco Match point, forse per eccesso di aspettative, nonostante sia un ottimo film, ma non è il resita a cui mi sono gradualmente affezionato nelle pellicole precedenti, sia in quelle comiche che (con sorpresa) in quelle drammatiche. Scoop (Woody Allen - 2006) fa un piccolo passo in avanti. Intanto il regista è anche protagonista, e non è poco, e poi si ritorna alle atmosfere della commedia, certamente più congeniali alla sua verve. La sceneggiatura è originale e ben architettata: Allen interpreta un mago da quattro soldi e nel corso di un suo numero che coinvolge una giovane aspirante giornalista, appare un fantasma che le svela la notizia del secolo: l'identità del serial killer che terrorizza la città. Seguono una serie di situazioni equivoche che si intensificano fino all'imprevedibile finale. Scarlett Johansson è deliziosa. Ci sono almeno tre sequenze davvero divertenti. C'è la geniale rappresentazione (anche se sa un po' di Bergman) della morte che trasporta le anime sulla sua barca. Ma resta la sensazione che manchi qualcosa. Forse manca New York, forse va visto da un'altra prospettiva, forse ci vorrà del tempo per apprezzarlo davvero. Intanto comunque vale la pena di dargli una possibilità.

Attraverso lo specchio

2006-12-13T15:14:00.000+01:00

La polizia indaga sull'omicidio di un medico, trovato pugnalato nel suo appartamento. Diversi testimoni identificano una donna, che però ha una gemella identica e non si possono accusare due persone dello stesso delitto. L'aiuto di uno psichiatra contribuira' a risolvere il caso. Lo specchio scuro (Robert Siodmak - 1946) è un raffinato thriller psicologico, basato sul confronto delle due personalità opposte delle protagoniste. A prima vista può sembrare un soggetto poco originale, ma la regia è astuta e con un buon ritmo e ottimi dialoghi il risultato è molto piacevole. La vera forza della pellicola sta nella fotografia, molto contrastata, luci e ombre che mettono in risalto gli opposti delle protagoniste. L'attrice che le interpreta è ovviamente la stessa (de Havilland, bravissima), duplicata nelle scene con un abile gioco di specchi. Il finale è un po' prevedibile.

L'assoluta banalità del male

2006-11-28T00:18:00.000+01:00

Realizzato interamente con le immagini riprese a Gerusalemme nel 1961, Uno specialista - Ritratto di un criminale moderno (Eyal Sivan - 1999) documenta, quindici anni dopo Norimberga, il processo ad Adolf Eichmann, il burocrate del Reich, catturato in Argentina dai servizi segreti israeliani e accusato di aver organizzato le deportazioni sistematiche che portarono allo sterminio degli ebrei nel corso della famigerata "soluzione finale". È una pellicola unica nel suo genere: riesce a creare un'atmosfera cinematografica da incubo, utilizzando esclusivamente riprese di carattere documentaristico, grazie soprattutto ad un montaggio intelligente e ad un sonoro fatto di echi e rumori distorti. Dalla sintesi delle oltre 350 ore di filmati del processo emergono l'impotenza della difesa davanti ad un'accusa tanto evidente e tremenda e la forza dei testimoni nel raccontare le loro terribile esperienze. Ma emerge soprattutto il ritratto dell'imputato e la ripetitività delle sue tesi difensive. Eichmann, nella parte finale, arriva addirittura a parlare di sdoppiamento della personalità per giustificare l'obbedienza cieca agli ordini provenienti dall'alto. Questa è la parte più interessante del documentario e mette in luce la volontà da parte della giuria di comprendere la figura di Eichmann, di capire fino a che punto l'uomo può separarsi dalla proprio coscienza, rinunciare a pensare e a valutare di persona la portata delle proprie azioni. L'esito del processo, che si concluderà con una condanna a morte, non viene mostrato, perché è più importante capire quello che è accaduto, analizzare la vicenda specifica in profondità, per trarne una lezione storica da non dimenticare.

Hitchcock secondo Truffaut

2006-11-13T21:41:00.000+01:00

L'omicidio di Massoulier durante un uscita di caccia mette nei guai Julien, che si trovava nelle vicinanze, anche perché la vittima era l'amante di sua moglie. Quando anche la donna subisce la stessa sorte, l'uomo decide di fuggire, ma la sua segretaria lo aiuterà nelle indagini. Con Finalmente domenica! (François Truffaut - 1983), Truffaut esplora il genere giallo e spiazza un po' lo spettatore, dimostrandosi tuttavia sorprendentemente abile. Segue l'esempio del suo maestro Alfred, ma ci mette del suo con grande personalità, evitando di degenerare nel citazionismo alla De Palma e seminando solo qualche omaggio qua e là, con discrezione. Forse eccede un po' con gli artifici narrativi e ad un certo momento i colpi di scena possono sembrare forzati. Realizza comunque uno dei suoi lavori migliori, purtroppo l'ultimo, e lascia la sua firma con un finale dei suoi.

Déjà vu?

2006-10-23T21:35:00.000+02:00

Notte, un incidente stradale, sulle colline di Los Angeles, in lontananza le luci della città. Sembra l'inizio di Mulholland Drive, ma è un'altra storia. È la storia dell'America post-undicisettembre, la storia di un paese, delle sue contraddizioni, delle sue paure. Crash - Contatto fisico (Paul Haggis - 2004) racchiude tante piccole vicende umane, legate da un tratto comune, la difficoltà o forse l'impossibilità di far convivere culture diverse: due detective, una famiglia borghese, un bottegaio, un manovale, due ladri, un poliziotto, un regista televisivo. Tante storie semplici, tanti personaggi, tanti colori diversi e molto su cui ragionare. La regia è raffinata, distaccata e impietosa, sa però colpire e commuovere al momento giusto, evita di dare giudizi e soprattutto non cerca risposte, forse perché risposte non ce ne sono. La tensione rimane alta per tutta la durata del film, ci sono rarissimi momenti di pausa, accompagnati da un tocco di humor nero. Straordinario Matt Dillon, che incarna perfettamente le contraddizioni dell'eroe americano. Pessima la Bullock, anche se il personaggio non aiuta. Scritto dallo stesso regista, già autore dell'ottimo Million Dollar Baby, dove affrontava altri temi delicati, con la stessa impagabile discrezione.

La poesia dei colori

2006-10-12T21:14:00.000+02:00

A Madrid si incrociano per uno scherzo del destino le vite e le sfortune di Victor, Elena, David, Sancho e Clara. Meglio non svelare di più, perché Carne tremula (Pedro Almodovar - 1997) è un film da scoprire passo per passo. Girato con grandissimo equilibrio, senza eccessi, e la giusta attenzione ad ogni personaggio, scivola meravigliosamente lungo i suoi percorsi narrativi, sostenuto dalla fotografia coloratissima e l'intensità della colonna sonora. Almodovar si concede anche qualche virtuosismo di regia inaspettato ed alterna momenti di altissima tensione a perle di autentica poesia, riuscendo anche a inserire dei siparietti comici che risultano quasi involontari. Domina un vago senso di fatalismo, i personaggi sembrano impossibilitati a determinare il loro destino, nel bene e nel male, anche se ciascuno influenzerà quello degli altri. Emblematica in questo senso la figura di Victor, venuto al mondo su un autobus della linea cittadina, viene premiato con un abbonamento a vita, condannato a seguire sempre dei percorsi già definiti, già decisi e che non può controllare.

Clown e vagabondi

2006-10-08T23:53:00.000+02:00

Un giovane regista di successo, re della commedia hollywoodiana, decide di travestirsi da vagabondo e di vivere nella miseria allo scopo di documentarsi e realizzare un film drammatico sulla povertà. I produttori disperati cercano di assisterlo nell'impresa. I dimenticati (Preston Sturges - 1941) è una commedia meravigliosa: soprattutto nella prima parte i dialoghi sono rapidissimi e ogni scambio di battute è un piccolo capolavoro. Gli intermezzi comici ricalcano nello stile le gag del cinema muto, soprattuto Laurel & Hardy (la scena in cui il protagonista cade nel barile è presa da I figli del deserto). Del resto la pellicola è esplicitamente dedicata "to the memory of those who made us laugh". Non mancano i colpi di scena e una vena di riflessione sul ruolo del cinema e sulle sue responsabilità nei confronti dello spettatore.

Un nome da torero

2006-10-08T20:42:00.001+02:00

Juan è un ragazzo irrequieto di Siviglia, che vuole a tutti i costi seguire le orme del padre, ucciso dal toro durante una corrida. Sangue e arena (Rouben Mamoulian - 1941) segue la sua parabola, dalle aspirazioni giovanili, al successo e gli amori fino all'inevitabile declino. La parte più riuscita è la prima, che sa di romanzo di avventura, grazie anche ai colori brillanti, caratteristici della fotografia in Technicolor dell'epoca. Gli stessi colori diventano poi sempre meno vivi, in sintonia con la vicenda. La parte centrale, dedicata alle vicende amorose di Juan, eccede forse nei toni melodrammatici ma è funzionale all'epilogo. Non è ovviamente solo la storia di un uomo: è un omaggio ad una grande tradizione spagnola, gli amanti di Hemingway apprezzeranno. Fortissima la presenza dell'elemento religioso: il simbolo della croce, inserito nella scena in modo quasi ossessivo, compare in tutti i momenti chiave della vita del protagonista e nella splendida sequenza dell'amico di Juan a letto morente dopo una corrida sfortunata, che stringe le mani ai bordi della spalliera, ricalcando la figura del cristo appeso al muro sopra di lui.

Sangue e metafisica

2006-09-30T19:45:00.000+02:00

Il genere horror produce solitamente pellicole di facile consumo, anche se di buon livello (è il caso di John Carpenter o di George Romero), o marcatamente commerciali (Case, Nightmare, Venerdì e via dicendo). Comprenderete quindi il mio stupore dopo aver visto The addiction - Vampiri a New York (Abel Ferrara - 1994). È infatti un film molto complesso, che intreccia una comune storia di vampiri con tutti gli eccessi del genere, ad una raccolta di pensieri filosofici di alcuni dei massimi pensatori moderni (Sartre, Nietzsche, Kierkegaard...), trasformandosi così in una riflessione sul male ("Non siamo malvagi perché facciamo del male, ma facciamo del male perchè siamo malvagi" è la conclusione). A rendere ancora più angoscioso il plot contribuiscono le immagini più terribili della storia recente (l'olocausto, il Vietnam, l'ex-Iugoslavia). La protagonista, studentessa di filosofia, è il tramite tra queste immagini, questi pensieri e lo spettatore. Il bianco e nero sgranato, l'uso (misurato) della camera a spalla e una buona colonna sonora contribuiscono a immergere l'insieme in un'atmosfera allucinata. Si può apprezzare anche come semplice film dell'orrore, ma si rischia di perdere tutto il resto.

New York, tonight

2006-09-20T00:03:00.000+02:00

Quale incipit migliore per una storia che entra subito nel vivo? Un omicidio già nel preambolo, prima dei titoli di testa. La vittima è una giovane donna, ma il pubblico conosce subito il volto dell'assassino. Infatti la vera storia inizia dopo: nello stesso giorno muore Kyle, proprietario di una grande testata giornalistica. Il figlio ne assume l'eredità e per scegliere chi dei suoi tre collaboratori merita il posto di direttore, li fa indagare sul misterioso killer, che nel frattempo a messo a segno un altro colpo. Quando la città dorme (Fritz Lang - 1956) si trasforma così da semplice giallo a raffinato (e spietato) ritratto del mondo giornalistico. La caccia al killer passa rapidamente in secondo piano ed emergono le figure dei giornalisti, arrivisti e ambiziosi, che non si fermano davanti a niente. Strepitosa la scena dell'inseguimento nel tunnel della metropolitana, tra il rumore dei treni e i silenzi improvvisi. Ottimi tutti gli interpreti: Kyle sembra uscito da Quarto Potere ed è impossibile non collegare la figura del killer al Norman Bates di Psyco (che però è venuto dopo). Poca musica, dominano i rumori.

Kitano

2006-09-17T12:15:00.000+02:00

Si intitola Sonatine (Takeshi Kitano - 1993) perché è strutturato proprio come una sonata, in tre parti che ne seguono anche il ritmo. Visivamente la migliore è la prima, girata in ambiente metropolitano e dominata da lunghissimi silenzi, che si alternano a brevi slanci musicali, con un ritmo molto dilatato. Qui prende corpo la storia di Murakawa, gangster in declino, che viene spedito in una località sul mare a gestire una guerra tra bande. E qui ha inizio la seconda parte, la più strana e inaspettata, ma che riflette pienamente lo stile di Kitano: è un'ambientazione quasi bucolica, molto surreale; la musica si fa insistente e il ritmo sale. Qui il tessuto narrativo si spiega, Murakawa realizza di essere stato messo da parte e va incontro al suo destino, che si compirà nella parte finale, dove ritorna la città e il ritmo è di nuovo più lento. La violenza fredda e spietata di Kitano entra in scena sempre all'improvviso, a squarciare l'armonia dell'azione. La critica dice che ricorda Peckinpah per il sangue che scorre a fiumi, ma personalmente mi sembra un paragone un po' azzardato: Kitano è unico e nessuno in occidente ha o ha mai avuto il suo stile. Grandiosa la scena della sparatoria notturna nel finale, ripresa dall'esterno, con gli spari in lontananza e i lampi di luce dalle finestre.

42

2006-09-10T14:44:00.000+02:00

Ignaro che il pianeta sta per essere vaporizzato per far spazio alla tangenziale galattica, un giovane terrestre viene salvato da un amico extraterrestre e insieme iniziano un viaggio in autostop da una parte all'altra della galassia. Tratto dal fortunato romanzo di Douglas Adams, la Guida galattica per autostoppisti (Garth Jennings - 2005) ne rispetta l'impostazione surreale e dà sfogo alle numerose trovate presenti nel testo, risultando addirittura più divertente: particolarmenti riusciti gli inserti in cui la voce fuori campo legge le voci della guida e dei disegni animati la accompagnano. Attinge a piene mani dal patrimonio della fantascienza, solo di 2001 si contano almeno tre citazioni esplicite, ma ha un dose sufficiente di originalità da non cadere nella semplice parodia. Ottimi i personaggi, esilarante il robot con personalità umane che soffre di depressione ed è afflitto da un pessimismo cosmico. Dà l'impressione di essere un film che non si prende troppo sul serio e forse è questo che lo rende piacevole.

Slow motion

2006-09-08T20:15:00.000+02:00

Un killer sui generis, che segue il rigoroso codice etico dei Samurai, uccide per riconoscenza verso un mafioso che gli ha salvato la vita in gioventù. Ma quando, durante un lavoro, lascia in vita un testimone, vogliono farlo fuori. Nei film di Jim Jarmusch si respira sempre un'atmosfera molto rilassata e Ghost Dog - Il codice del Samurai (Jim Jarmusch - 1999) non fa eccezione. Anzi, colpisce ancora di più vedere il suo personalissimo stile applicato un gangster movie metropolitano, da cui in genere ci si aspetta grande azione. E invece il ritmo è lento e costante, scandito dai cartelli con gli aforismi che ispirano le azioni del protagonista e danno un tocco orientale alla narrazione, rendendola ancora più originale. Affascinano in modo particolare le scene girate in notturna, nelle quali il commento musicale sembra trovare la sua dimensione ideale. Geniale la figura di Ghost Dog, killer preciso e silenzioso, ricorda un po' il Leon di Besson.

Sorprese

2006-09-05T23:45:00.000+02:00

Il Blake Edwards che non ti aspetti, quello di I giorni del vino e delle rose (Blake Edwards - 1962). Dimenticatevi pantere rosa, party a Hollywood e colazioni da Tiffany, questo è un film cupo, pessimista, capace di generare una potenza drammatica sorprendente. È la storia di Joe e Kirsten: si conoscono sul lavoro, si amano e si sposano; vivono felici finché il vizio dell'alcool prende il sopravvento e innesca una catena incontrollabile di eventi che li porta alla rovina. La regia è senza pietà, ci sono almeno tre sequenze che sono autentici pugni dello stomaco, e crea un'atmosfera fredda e distaccata: grazie anche ad un bianco e nero da cinegiornale, il film si trasforma in una cronaca feroce, con un montaggio implacabile a seguire i protagonisti, quasi a perseguitarli, nelle loro tragiche vicende. Il finale un po' aperto, non certo lieto, è quasi un sollievo. Ottimi i due protagonisti e interessante anche la figura del vecchio padre.

Viaggio in Italia

2006-09-03T23:14:00.000+02:00

Appresa la morte del padre in un incidente, un potente industriale americano arriva in Italia, a Ischia, per recuperarne la salma. Qui scopre che l'uomo aveva un amante ed entra in confidenza con la figlia della donna. Che cosa è successo tra mio padre e tua madre? (Billy Wilder - 1972) è una classica commedia alla Wilder, costruita in modo intelligente, e a debita distanza dai soliti luoghi comuni, sul contrasto tra l'american way of life, incarnata essenzialmente dal personaggio di Jack Lemmon, e l'italianità della gente del luogo. Manca però della solita verve, è un po' stanca e tende troppo spesso al melodramma. Si appoggia quasi completamente al sempre ottimo Jack Lemmon, che però spesso fatica a reggere la scena da solo. La mano del regista nella sceneggiatura comunque si vede e i colpi di classe non mancano, ma la lunga durata (oltre 140') finisce per diluirli e farli perdere forza. Per una volta il titolo italiano rende giustizia alla trama meglio dell'originale. Il divertentissimo ufficiale dell'obitorio è interpretato da Pippo Franco, in uno dei personaggi secondari più riusciti.

Quattro personaggi e un autore

2006-08-28T21:44:00.000+02:00

Il cuoco, il ladro, sua moglie e l'amante (Peter Greenaway - 1989) sono i quattro personaggi che popolano un ristorante di lusso di proprietà del ladro, un malavitoso arrogante e ignorante, che si crede un esperto di buona cucina e gestisce i suoi affari nel locale. Il cuoco, nel frattempo, aiuta la moglie e l'amante coprendo le loro scappatelle, che avvengono durante le cene. Raccontare la trama è in realtà piuttosto riduttivo, perché il film è in realtà un puzzle di situazioni grottesche, costruite intorno alla relazione clandestina dei due personaggi. Il tutto è inserito in un contesto volutamente kitsch e surreale, grazie anche alla fotografia che esalta fortemente il rosso e, nelle scene con poca luce, il verde, contribuendo talvolta a creare un'atmosfera quasi fantastica. I personaggi minori non sono meno azzeccati dei principali, soprattutto la figura del ragazzino aiuto-cuoco che, con i suoi capelli biondi e la sua voce bianca, sembra un folletto venuto in soccorso degli amanti. Bella l'idea di introdurre le giornate con dei cartelli che espongono il menu del giorno. Una volta superato l'iniziale smarrimento, diventa un film estremamente piacevole e fila veloce lungo gli oltre 120 minuti di pellicola, grazie anche alla musica incalzante di Michael Nyman (lo stesso di Lezioni di piano).

Sugar(land) express

2006-08-27T00:15:00.000+02:00

Pilota spericolato di aerei antincendio perde la vita nel suo ultimo volo. Un angelo lo rimanderà (invisibile) tra i vivi con una missione da compiere. Copione sul banale per il solito film alla Spielberg, zuccheroso e strappalacrime, complice anche un'astuta scelta di brani in colonna sonora: ma dopo la seconda volta di Smoke gets in your eyes dei Platters verrebbe voglia di vederlo senza audio, con i sottotitoli... Peccato, perché Always - Per sempre (Steven Spielberg - 1989) all'inizio non promette male, con un discreto ritmo, ottime scene d'azione e qualche battuta divertente; ma dopo neanche mezzora svacca abbastanza in fretta e da un certo punto in poi diventa insostenibile. Se Audrey Hepburn vi sembrava divina nei suoi film giovanili, vederla qui, a 60 anni, potrebbe esservi fatale...

Parigi-Taipei

2006-08-26T18:11:00.000+02:00

A Taiwan si alternano e si incrociano le vicende di un venditore ambulante, di sua madre ossessionata dalla possibile reincarnazione del marito e di una ragazza che acquista un orologio da lui prima di partire per Parigi. Che ora è laggiù? (Ming-liang Tsai - 2001) usa il fuso orario tra le due capitali come metafora della distanza che separa i personaggi: il protagonista dalla ragazza, di cui si è innamorato, la madre dal marito defunto e la ragazza stessa dalla sua Taipei, in una Parigi che non riesce ad amare. Girato rigorosamente solo con inquadrature fisse, all'interno del quale i personaggi agiscono come su una scena, con pochissimi dialoghi e lunghe sequenze completamente mute, è un film che non decolla mai: il ritmo lentissimo alla lunga finisce per pesare, anche perché sembra fine a sé stesso. Difficile in questo modo provare qualche interesse per i personaggi e quando (finalmente) appaiono i titoli di coda viene da chiedersi "...e quindi?". Ripetuti ed espliciti gli omaggi a Truffaut e a I 400 colpi.

Rumori di fondo

2006-08-25T00:01:00.000+02:00

Un famoso uomo politico candidato alla presidenza muore in un incidente d'auto. Un tecnico cinematografico a caccia di effetti sonori assiste all'evento e lo registra. Dal nastro emergeranno indizi che lo porteranno a scoprire la vera causa dell'accaduto. Dopo averne visti alcuni, non è difficile accorgersi che i film di De Palma sono un po' tutti uguali e alla lunga anche la sua pur ammirevole vena cinefila finisce per stancare, anche perché richiama quasi sempre Hitchcock, con la macchina da presa infilata nei posti più stravaganti e l'immancabile omicidio sotto la doccia. Blow out (Brian De Palma -1981) tuttavia ha almeno un elemento di novità rispetto agli altri lavori del regista: l'analisi attenta dell'aspetto sonoro. Più che un omaggio al cinema questa volta sembra trattarsi di un omaggio alla tecnica cinematografica e De Palma realizza lunghe sequenze in questo senso (non male quella in cui Jack ricostruisce un breve filmato dell'incidente a partire da alcune fotografie e lo combina con la sua traccia sonora). Si fa guardare (e ascoltare) comunque volentieri.

Il giovane Lincoln

2006-08-23T23:10:00.000+02:00

Un episodio della vita del sedicesimo presidente degli Stati Uniti: giovane avvocato alle prime armi decide di assumere la difesa di due ragazzi accusati di omicidio, salvandoli dall'ira del popolo forcaiolo, prima, e sostenendo la loro innocenza in tribunale, poi. Alba di gloria (John Ford - 1939), nonostante l'ambientazione, non ha nulla a che vedere con i western che hanno reso celebre il regista. Si sente la mancanza degli spazi sconfinati e Lincoln fatica ad emergere come vero personaggio eroico, anche se Henry Fonda è una delle poche cose da salvare, grazie anche ad una somiglianza sorprendente (e ad un trucco che lo rendeva più alto). Dopo una lunga introduzione dai toni melodrammatici, il resto del film è girato quasi interamente in tribunale e non è molto diverso da una puntata di Perry Mason, con domande incalzanti, scambi di battute argute e prevedibile mossa decisiva della difesa. Interessante e ben orchestrata la scena del tentato linciaggio e dall'assalto alla prigione.

2006-08-04T23:04:00.000+02:00

Carissimi lettori, il blog va in ferie per qualche settimana.
Buona estate a tutti.

Wyatt Earp

2006-07-28T12:04:00.000+02:00

Il personaggio di Wyatt Earp, realmente esistito, incarna la figura classica dell'uomo di frontiera, difensore della legge e impegnato nella lotta contro il male. Il genere western gli ha dedicato numerosi film, da Gli indomabili nel 1939, al recente Wyatt Earp di Lawrence Kasdan, datato 1994. Un maestro come John Ford non poteva trascurare una simile figura e in Sfida infernale (John Ford - 1946) affida a Henry Fonda la parte: dopo che i ladri gli hanno rubato la mandria, uccidendo il fratello minore, il protagonista decide di accettare la carica di sceriffo nella cittadina di Tombstone e con l'aiuto di Doc Holliday cercherà vendetta. Nonostante la presenza degli elementi classici del genere (il saloon con il poker e il pianista, gli inseguimenti alle diligenze, le sparatorie, l'eroe solitario, mancano solo gli indiani...) è un western abbastanza sui generis. Anche la figura pacata dello sceriffo è particolare, bisogna aspettare più di metà del film per vederlo estrarre la pistola. La Monument Valley non è mai stata così suggestiva, con i suoi orizzonti sconfinati e i suoi cieli infiniti, che la fotografia cattura in modo impeccabile.

Laura

2006-07-26T23:56:00.000+02:00

Laura Hunt viene misteriosamente assassinata, il tenente MacPherson indaga nella cerchia delle sue frequentazioni e dei suoi amori, ma la situazione si rivela molto più complessa di quello che appare. Abilmente costruito intrecciando melodramma e giallo, con variazioni verso il noir, Vertigine (Otto Preminger - 1944) è diretto con grande maestria, con momenti leggeri degni di Lubitsch e sequenze da thriller che ricordano il miglior Hitchcock. Il tutto ad un ritmo impeccabile, che culmina in un finale come ce ne sono pochi. Ottimi dialoghi e bellissimo il personaggio di Walter (Waldo in originale), sorta di dandy dal carattere impossibile e dalla battuta pronta e raffinata ("Lei ignora un trionfo della scienza, il campanello", dice al tenente che entra all'improvviso nell'appartamento). Una piacevole scoperta.

Gli ultimi eroi

2006-07-26T22:06:00.000+02:00

Storia di Massai, ultimo guerriero Apache e ultimo ad arrendersi alla cattura da parte dell'uomo bianco. Durante la deportazione in Florida fugge dal treno e torna al suo popolo ma verrà tradito e inizierà una battaglia solitaria. L'ultimo Apache (Robert Aldrich - 1954) è il ritratto di un guerriero e della sua lotta disperata contro l'uomo bianco. Il west selvaggio popolato da eroi leggendari è solo un ricordo, ormai la civiltà moderna ha preso il sopravvento e non c'è più spazio per le figure mitiche. Il protagonista sembra fin dall'inizio destinato alla sconfitta. È un western un po' sbiadito che mette una certa malinconia, nonostante lo stonatissimo lieto fine.

Scopofilia

2006-07-23T22:43:00.000+02:00

Un giovane operatore cinematografico si trasforma in serial killer e filma le sue vittime prima di ucciderle con un'arma nascosta nella cinepresa, con la quale registra anche le loro reazioni di terrore, alle quali è morbosamente interessato. L'occhio che uccide (Michael Powell - 1960) è il film che ha introdotto, più ancora de La finestra sul cortile, il voyeurismo nel cinema. Il film è ricco di riferimenti in questo senso, oltre a quello ovvio della cinepresa: la repulsione del protagonista verso le chiavi (con evidente richiamo ai buchi delle serrature), le riviste osè con le quali collabora facendo delle fotografie, la madre cieca della protagonista, che in quanto non vedente gioca un ruolo decisivo. L'uso delle luci è attentissimo e in alcune sequenze è sufficiente a creare la tensione. Come thriller non è eccessivamente coinvolgente, ma il suo obiettivo è un altro: è un film sulla visione, sul cinema, per chi ama il cinema.

Chi parla dentro filo?

2006-07-23T20:16:00.000+02:00

Roger lavora in un negozio di articoli sportivi ed è autore di un manuale di pesca di grande successo. Quando il capo gli chiede di partecipare a un torneo per pubblicizzare il negozio è in difficoltà, perché lui a pesca non c'è mai andato. Basata essenzialmente su una serie di equivoci e di coincidenze Lo sport preferito dall'uomo (Howard Hawks - 1964) è un'ottima commedia, che si fa apprezzare soprattutto per il ritmo inarrestabile, le ottime prove degli attori protagonisti e le divertentissime caratterizzazioni dei personaggi di contorno (il finto indiano imbroglione è da antologia). Dopo Susanna e Gli uomini preferiscono le bionde, Hawks conferma ancora una volta la sua grande abilità nel gestire un genere come la commedia che può facilmente sfuggire di mano e richiede grande equilibrio per non diventare banale.

Egypt

2006-07-18T23:34:00.000+02:00

Durante la seconda guerra mondiale, un soldato inglese disperso nel deserto trova rifugio in un albergo, appena abbandonato dai suoi connazionali in ritirata. All'arrivo dei tedeschi guidati da Rommel, si spaccerà per un cameriere e svolgerà attività di spionaggio. Girato con la solita eleganza e padronanza di stile che caratterizzano il cinema di Wilder, I cinque segreti del deserto (Billy Wilder - 1943) è un film di spionaggio che riesce a mantenere tensione e ritmo molto elevati pur preservando l'unità di luogo (l'ambientazione cioè rimane la stessa durante tutto lo svolgimento della vicenda). Caratteristiche che, insieme all'atmosfera esotica, lo rendono molto simile a Casablanca (uscito l'anno precedente), anche se mancano ovviamente i dialoghi memorabili e i pur bravi attori protagonisti non possono emulare la leggendaria coppia Bogart-Bergman. Resta comunque un film piacevolissimo e tra i migliori del regista americano. Il generale Rommel è interpretato ottimamente dal regista Erich von Stroheim.

Pietre miliari

2006-07-12T23:00:00.000+02:00

In La passione di Giovanna d'Arco (Carl Theodor Dreyer - 1928), Dreyer affronta i temi della religiosità e del fondamentalismo che ricorrono frequentemente nelle sue opere, in particolare in Dies Irae e in Ordet (altri due capolavori). Descrive il processo all'eroia francese, l'iniquità del procedimento, l'assurdità delle domande e la tragica fine a cui verrà destinata, in una scenografia stilizzata, sfruttando moltissimo i primi piani della splendida protagonista, che sembra parlare con gli occhi. Si concentra maggiormente sull'aspetto interiore della donna, che appare fragile e in preda a un terrore inesprimibile. Una figura molto diversa, per esempio, dalla Giovanna placida, rassegnata e sicura di sé rappresentata da Robert Bresson in Il processo di Giovanna d'Arco, trentaquattro anni dopo. Le due versioni hanno molto in comune, ma quella francese sembra più fredda, distaccata, quasi una cronaca storica, mentre questa è più umana e più sentita. L'assenza del sonoro e la conseguente mancanza di dialoghi consentono al regista di mantenere una tensione elevatissima, che non viene mai spezzata e che la musica maestosa in sottofondo, insieme alla scelta di concentrare gli eventi narrati in un'unica unità temporale (una giornata), contribuiscono ad amplificare. L'uso della macchina da presa è originalissimo, alterna lunghe inquadrature fisse a movimenti rapidi e inaspettati. La sequenza in cui Giovanna viene portata davanti agli strumenti di tortura è di un'intensità indimenticabile. Un capolavoro assoluto.

Malinconia

2006-07-08T18:49:00.000+02:00

Fabrizio, giovane borghese di ideologia comunista, sconvolto dal suicidio dell'amico Agostino si innamora della zia Gina ed è ricambiato. Ma il perbenismo imposto della classe a cui appartiene gli renderà la vita difficile. Prima della rivoluzione (Bernardo Bertolucci - 1964) è intriso di malinconia, grazie anche alla colonna sonora a base di vecchi successi di Gino Paoli e al paesaggio padano fotografato con un pallido bianco e nero. Ricorda un po' Antonioni e il cinema francese dello stesso periodo, ma non ha lo stesso fascino. Sarà che non ho mai amato particolarmente Bertolucci, ma l'ho trovato terribilmente noioso.

Uragano Keaton

2006-07-03T22:48:00.000+02:00

Il figlio di un modesto barcaiolo ritorna nel paesino natio dopo anni di vita in città. Il padre, rozzo uomo di provincia, lo disconosce, anche perché lui si innamora della figlia del ricco concorrente. Oltre al classico ma sempre sorprendente repertorio, in Io e il ciclone (Charles Reisner - 1928) Buster Keaton mostra anche un'inaspettata vena romantica. Dopo un avvio niente male, sembra stagnare un po' nella parte centrale, ma il tutto è in funzione di un finale da antologia, la scena del ciclone che devasta la cittadina: quasi venti minuti di azione pura, perfettamente accompagnati dalla musica, in cui il comico dà il meglio di sé con un'abilità e una leggerezza incredibili. Noto anche come Bill jr. del vaporetto.

Racconti morali

2006-07-02T18:10:00.001+02:00

Un giovane francese si innamora di una ragazza addocchiata durante la messa, Françoise, ma non ha il coraggio di farsi avanti. Pochi giorni dopo viene presentato a Maud da un amico e, a causa di una nevicata improvvisa, è costretto a passare la notte da lei, ma non si concederà nulla, convinto di aver già fatto la sua scelta: il giorno successivo infatti deciderà finalmente di presentarsi a Françoise. La mia notte con Maud (Eric Rohmer - 1969) fa parte del ciclo dei Racconti morali del regista francese ed è incentrato sul concetto di fedeltà. Nonostante la trama sia piuttosto lineare, è un film fatto di parole , discretamente pesante: i personaggi presentano i loro punti di vista con lunghi e raffinati dialoghi, che spaziano dalla filosofia di Pascal alla matematica e alla statistica, dalla morale alla psicoanalisi. Visivamente molto freddo, è da ascoltare più che da guardare.

Filastrocche

2006-07-02T13:36:00.000+02:00

Ispirato a una novella di Tolstoj, è il racconto della vita di Giulio Manieri, internazionalista vissuto in Italia alla fine dell'ottocento: l'arresto per il tentativo di insurrezione in un paese di contadini, la condanna a morte, la grazia all'ultimo momento e il carcere a vita. San Michele aveva un gallo (Paolo e Vittorio Taviani - 1973) è il titolo di una filastrocca che il protagonista canta di continuo per sopravvivere alla noia della cella di segregazione. È questa la parte migliore del film, gli incubi dell'isolamento, le invenzioni della mente per ricreare una normalità tra i muri umidi e squallidi della prigione, i ricordi del passato per non impazzire. Tutto è reso con grande forza e l'angoscia del protagonista si trasmette allo spettatore. Purtroppo è l'unico momento del film in cui l'aspetto umano della vicenda domina su quello politico, che nel resto del film tende ad essere troppo accentuato e risultare un po' pesante.

Chiaroscuro

2006-06-29T21:58:00.000+02:00

Una celebre attrice, colpita da una particolare forma di depressione che la spinge ad un mutismo assoluto, viene affidata alle cure di una giovane infermiera. Isolatesi in una casa sul mare, tra le due donne inizia a crearsi un legame forte e tormentato, immerso nella loro solitudine. Persona (Ingmar Bergman - 1966) è un film abbastanza impegnativo, nonostante sia di breve durata, ma molto affascinante. Costruito attraverso primi e primissimi piani penetranti, fotografato con un bianco e nero dal contrasto particolarmente marcato, inizialmente sembra gettare uno sguardo distaccato sulle due protagoniste, ma in realtà racconta con grande profondità le loro personalità. Onirico, misterioso, pessimista: da vedere se amate lo stile del regista svedese e il cinema sperimentale.

Leconte

2006-06-28T00:35:00.001+02:00

Ridicule (Patrice Leconte - 1996) si svolge nella Francia pre-rivoluzionaria e racconta di un ingegnere di provincia che arriva a Versailles per presentare al re Luigi XVI il suo progetto di risanamento delle paludi della Dombes, che consentirebbe di sconfiggere la malaria. Con l'aiuto di un vecchio cortigiano, della cui figlia nel frattempo si innamora, impara a sopravvivere in un'ambiente ostile e a destreggiarsi fino a ottenere di parlare con il re, ma alla fine sarà disgustato dalla frivolezza e dall'indifferenza dei nobili verso il suo progetto. Inizia come un vivace ritratto in costume della vita di corte dell'epoca, con uno sguardo critico e un po' ironico alle falsità delle vicende umane che si susseguono nel palazzo. Perde però rapidamente il ritmo e scade nel melodramma moralista. Una delusione.

Punti di vista

2006-06-27T00:02:00.000+02:00

Ai tempi della guerra del Vietnam, storie di tre amici di New York: uno si ingegna per evitare l'arruolamento e nel frattempo cerca l'anima gemella con l'aiuto di un computer, un altro è ossessionato dall'assassinio di Kennedy e tenta di dimostrare improbabili teorie complottiste, il terzo è interessato al voyeurismo come arte ma è più che altro una scusa per rimorchiare. Caratterizzato da lunghe sequenze di dialogo riprese a camera fissa, alternate con brevi scenette musicali, Ciao America (Brian De Palma - 1968) sembra un film che ha molto da dire ma alla fine non dice granché. Gioca molto, soprattutto nella seconda parte, sul tema del punto di vista di chi guarda, frequente anche nelle opere successive del regista. Ma i fan del De Palma tutto azione, montaggio e virtuosismi resteranno delusi. Idealmente seguito dal più divertente Hi, Mom!

Sfumature

2006-06-21T23:57:00.000+02:00

Niente a che fare con l'omonimo, e più celebre, film di Alex Proyas, Il corvo (Henri-Geroges Clouzot - 1943) è la storia di una cittadina di provincia ("qui o altrove" come recita l'incipit) sconvolta da una serie di misteriose lettere anonime, che colpiscono dapprima il dottor Germain, insinuando una relazione tra lui e la moglie del vecchio collega Vorzet, ma finiscono poi per coinvolgere l'intera comunità, portando alla luce "tutte la infamie di questa città corrotta". Sarà lo stesso medico a indagare e smascherare il colpevole. È un giallo semplice e geniale, costruito intorno alla figura del protagonista e fotografato con abili contrasti di luci ed ombre, metafora del bene e del male. Ma il confine, come spiega il dottor Verzet nella scena bellissima della lampada oscillante, è solo sfumato e alla fine nessuno è davvero innocente.

Clouseau

2006-06-20T23:24:00.000+02:00

Il più grosso diamante del mondo viene rubato dal museo del Lugash. L'ispettore Jacques Clouseau si mette sulle tracce del presunto ladro. Terzo film di Edwards del ciclo Clouseau, La pantera rosa colpisce ancora (Blake Edwards - 1975) ripete il copione ben collaudato dei precedenti La pantera rosa e Uno spario nel buio, con gli stessi fortunati personaggi: l'isterico ispettore capo Dreyfuss, il maggiordomo giapponese Cato, esperto di arti marziali, e soprattutto il catastrofico ispettore dall'esilarante accento francese, interpretato come sempre dal grandissimo Peter Sellers, con la voce di Giuseppe Rinaldi. Tuttavia la comicità demenziale caratteristica della serie in questo caso appare un po' sottotono, nonostante sia cucita su una trama abbastanza avvincente. Non si registrano scene memorabili, suona un po' tutto di già visto. Sempre piacevole da ascoltare il motivetto di Henry Mancini, che accompagna i simpatici titoli di testa a disegni animati.

Hollywood

2006-06-19T23:03:00.000+02:00

Una casa di produzione cinematografica (dal nome evocativo di Paramutual) assume un giovane come fattorino e lo fa girare per i set con il compito di scoprire la causa delle altissime spese che affliggono la compagnia. Ne combina di tutti i colori: capita nel mezzo di una sparatoria western, rovina la scena madre di un regista geniale (o presunto tale) facendo la comparsa che guarda in macchina, modifica il doppiaggio cantato di un film con effetti esilaranti tra il pubblico alla prima... Il mattatore di Hollywood (Jerry Lewis - 1961) vorrebbe essere un ritratto del mondo cinema, attraverso le gag surreali del comico americano: ma le trovate sono abbastanza scollegate tra loro e tutto sommato anche poco divertenti e piuttosto prevedibili. Ci si può aspettare di meglio.

Il tempo che passa

2006-06-15T18:15:00.000+02:00

La storia di una famiglia borghese attraverso gli occhi di Carlo: dalla sua nascita all'inizio del novecento al giorno del suo ottantesimo complanno, passando attraverso il ventennio, il dopoguerra e la ricostruzione, gli anni sessanta e il miracolo economico. Ma La famiglia (Ettore Scola - 1986) non vuole essere la storia d'Italia: gli eventi esterni arrivano solo attraverso le voci, i rumori, le cronache della televisione. Il film è tutto girato in interni e ha un struttura molto regolare: ogni epoca è aperta da una lenta carrellata lungo il corridoio della grande casa dove passano, vivono e invecchiano tutti i personaggi e dove si incrociano amori, litigi, feste, vittorie e sconfitte. La voce fuori campo del protagonista tiene unito tutto l'intreccio. Cast di ottimi attori, con Gassman e Noiret superlativi.

Sta per piovere...

2006-06-15T00:35:00.000+02:00

Prima della pioggia (Milcho Manchevski - 1994): tre episodi per raccontare l'odio fratricida tra albanesi e macedoni che ha segnato la storia dell'ex Iugoslavia. In Parole un giovane monaco nasconde all'interno del monastero una ragazza albanese, ricercata dopo aver ucciso un pastore macedone. In Volti, a Londra una giornalista divorzia dal marito dal quale aspetta un bambino e ha una storia d'amore con un fotoreporter. Quest'ultimo, in Immagini, sconvolto dalle esperienze in Bosnia, decide di lasciare il lavoro per ritornare nella natia Macedonia dopo 24 anni di assenza: troverà una terra devastata dalla guerra civile. Si fa uccidere per liberare la ragazza albanese, che poi scapperà nel monastero chiudendo a cerchio tutta la vicenda. È un meraviglioso ritratto balcanico, ma l'ironia scanzonata e un po' malinconica di Kusturica è lontana anni-luce: le immagini suggestive dei paesaggi e i momenti di forte emozione sono sempre contrastati da improvvise sequenze di violenza: Manchevski sembra non voler lasciare spazio alla speranza, dipinge una situazione senza scampo e il destino dei suoi personaggi sarà tragico. Da guardare e da ascoltare.

Dalla Russia con amore

2006-06-10T11:33:00.000+02:00

Tre russi arrivano a Parigi incaricati dal loro governo di piazzare alcuni gioielli, confiscati ad una nobildonna francese. La situazione si complica e dalla madre patria arriva un'inflessibile ispettrice: Ninotchka. L'aristocratico avvocato che gestisce la causa finirà per innamorarsi di lei ed emergeranno le differenze tra le rispettive culture. Ninotchka (Ernst Lubitsch - 1939) è la classica commedia vecchio stile: ritmo veloce, dialoghi ricercati, recitazione all'altezza e irrinunciabile lieto fine. Lubitsch maschera da commedia una critica feroce alle assurdità del regime sovietico (il film fu vietato a lungo in molti paesi). Alcune trovate sono divertenti e si nota la mano di Billy Wilder nella sceneggiatura, alla lunga però il gioco dei confronti tra la rigidezza della donna e la leggerezza romantica del francese diventa un po' ripetitivo. Il finale recupera un po' di brio e di brillantezza. La Garbo è bravissima nei panni della fredda ispettrice, un po' meno quando si lascia andare al romanticismo.

La calda amante

2006-06-06T23:22:00.000+02:00

Durante una torrida estate un avvocato americano intreccia un'intensa relazione con una bellissima ragazza. Insieme progettano e realizzano l'omicidio del marito di lei. Ma per l'uomo non tutto andrà come previsto. Brivido caldo (Lawrence Kasdan - 1981) è un thriller dal plot piuttosto comune, con bravi attori e una sapiente regia: Kasdan all'esordio ricorda un po' De Palma, ma con meno virtuosismi. Per il resto niente di particolare da segnalare, a parte un'affascinante Kathleen Turner, anche lei al debutto, perfettamente a suo agio nei panni di femme fatale.

Gangster e attori

2006-06-05T22:40:00.000+02:00

Nella New York degli anni Venti (magistralmente ricostruita e fotografata), un boss della malavita produce la prima commedia di un giovane scrittore teatrale e in cambio pretende una parte per la sua amante: un'oca incapace e dalla voce stridula. Tra attrici viziate, attori permalosi, sparatorie e tradimenti, otterrà un successo strepitoso, grazie anche all'aiuto di un gangster che fa da guardia del corpo alla protetta del capo, ma che si rivelerà un geniale sceneggiatore. Pallottole su Broadway (Woody Allen - 1994) è uno dei più divertenti film di Allen senza Allen, una satira irresistibile sul mondo del teatro. I personaggi sono caratterizzati in maniera perfetta: ognuno impersona una paura, una nevrosi, un vizio. Solita allegra colonna sonora jazz in sottofondo. Se vi piace Woody è da non perdere. Il tema del regista alle prese con le difficoltà della produzione ritornerà nell'altrettanto divertente Hollywood Ending.

Storie italiane

2006-06-05T19:01:00.000+02:00

Padre padrone (Paolo e Vittorio Taviani - 1977), liberamente ispirato al romanzo autobiografico di Gavino Ledda, è la storia di un ragazzo e del suo difficile rapporto con il padre despota e autoritario, che lo strappa alla scuola già in tenera età per mandarlo a pascolare le pecore, della sua ribellione e della fuga verso "il continente" per inseguire il sogno di una vita diversa. Non è la storia di Gavino, è la storia di una generazione di ragazzi in una terra povera e bellissima, la Sardegna. Visivamente ricorda molto L'albero degli zoccoli (di Ermanno Olmi), uscito nello stesso periodo e anch'esso premiato con la Palma d'oro a Cannes. Significativa la sequenza in cui Gavino baratta due agnelli con una fisarmonica, che poi cerca goffamente di nascondere al padre, primi segnali della sua voglia di evadere dalla miseria e dalla povertà: la musica come simbolo di questa aspirazione ritornerà spesso nel corso del film. Un giovane Nanni Moretti interpreta un compagno di leva del protagonista, molto colto ma un po' altezzoso, in una parte che sembra fatta apposta per lui.

Totò e Pasolini

2006-06-04T17:22:00.000+02:00

Difficile riassumere la trama di Uccellacci e uccellini (Pier Paolo Pasolini - 1966), tanto il racconto è intriso di significati allegorici, riferimenti e citazioni dotte; del resto le opere di Pasolini non sono mai state semplici. Questa, anche se richiede un certo impegno, è comunque piacevole, a cominciare dai titoli di testa, in rima, recitati da una voce fuori campo. Totò, nonostante una parte fuori dai suoi schemi abituali, in alcuni tratti tutt'altro che comica e anzi quasi drammatica, dimostra di essere un grandissimo attore. Gradevole anche la colonna sonora di Ennio Morricone.

Il comico che non ride mai

2006-05-31T22:28:00.000+02:00

Un macchinista si arruola nell'esercisto sudista durante la guerra di secessione per far felice la sua amata. Verrà rifiutato, ma riuscirà ugualmente a dare un eroico contributo alla causa e a conquistare l'uniforme e l'amore della donna. La trama di Come vinsi la guerra (Buster Keaton, Clyde Bruckman - 1926) è molto semplice, ma è raccontata con un ritmo straordinario: le trovate comiche si susseguono senza sosta, accompagnate da un divertente commento musicale a base di piano. Keaton è indescrivibile: si muove come un funambolo, fa dei numeri da acrobata, sembra quasi che improvvisi. Da sottolineare anche il livello registico di alcune scene di massa (considerando l'epoca) e la sequenza del crollo del ponte (girata senza modellini). Da vedere assolutamente!

Nero su nero

2006-05-30T23:14:00.000+02:00

Un detective americano raccoglie una ragazza lungo una strada. Scopre poco dopo che si tratta di una paziente fuggita da un manicomio, decide di aiutarla e superano insieme un posto di blocco, ma vengono presto coinvolti in un incidente stradale, organizzato da alcuni loschi individui, in cui la ragazza perde la vita. Per il protagonista iniziano i problemi, a causa di una chiave posseduta dalla ragazza e che ora è sparita. Avrete capito che Un bacio e una pistola (Robert Aldrich - 1955) è un film noir: atmosfere cupe, trama contorta, dialoghi brevi e serrati; peccato che il doppiaggio italiano risulti in alcune parti un po' inespressivo. La regia è comunque di ottimo livello, anche se ha più di un debito con Hitchcock. Originale la scelta dei titoli di testa, che scorrono "al contrario", dal alto verso il basso, e ricordano un percorso stradale in movimento.

Mulini a vento

2006-05-29T00:18:00.000+02:00

Il prigioniero di Amsterdam (Alfred Hitchcock - 1940) è uno spy-movie abbastanza standard: un giornalista americano viene inviato in Europa per seguire la difficile situazione che fa da preludio allo scoppio della seconda guerra mondiale e si trova coinvolto nel rapimento di un uomo politico olandese, con complicazioni varie. Hitchcock ci mette del suo in almeno tre di sequenze: il mulino a vento con le pale che girano al contrario, il tentato omicidio in cima alla torre della Cattedrale e la caduta dell'aereo, ripresa senza stacchi. Per il resto si può anche perderlo.

Scorsese

2006-05-27T20:43:00.000+02:00

Considero Scorsese il miglior regista americano in circolazione e uno dei migliori in assoluto. Da sempre affascinato dagli aspetti religiosi, in Kundun (Martin Scorsese - 1997) narra la storia del quattordicesimo Dalai Lama, la guida suprema del Buddhismo tibetano e del Tibet stesso. Il film è idealmente diviso in una prima parte che racconta la scelta del piccolo in un villaggio tibetano e il suo percorso verso l'investitura, e in una seconda, di carattere storico-politico, che narra le vicende dello scontro con la Cina iniziato negli anni '50. Il Tibet è maestoso e suggestivo, ancor di più quando visto in soggettiva attraverso gli occhi del piccolo Kundun. La scena in cui il protagonista scopre tra i "doni dell'occidente" un vecchio Super8 con cui proietta un vecchio muto (credo sia Melies) è uno splendido omaggio al cinema. Diverso dai film classici del regista, è comunque un film da vedere.

Si comincia!

2006-05-23T23:10:00.000+02:00

Settimana movimentata, ma finalmente racimolato un paio d'ore e ho visto Voglio la testa di Garcia (Sam Peckinpah - 1974): un ricco messicano offre una ricompensa per la testa dell'uomo che ha messo incinta sua figlia; un modesto pianista di pianobar cercherà in tutti i modi di ottenerla. Dopo il leggendario Pat Garrett e Billy the Kid, Peckinpah abbandona le atmosfere western per girare un quasi road movie avventuroso. Non mancano tuttavia gli elementi caratteristici del suo cinema: l'uso del ralenty nelle sequenze d'azione, le sparatorie rumorose e violentissime e soprattutto la connotazione negativa dei personaggi femminili, sempre caratterizzati da dubbia moralità (come la compagna del protagonista). Non è un capolavoro, ma si guarda volentieri. Da non perdere il fotogramma che chiude il film, prima dei titoli di coda...

Benvenuti

2006-05-23T17:49:00.000+02:00

Eccoci qua: questo blog contiene impressioni, opinioni e pensieri cinefili. Non sono un critico, non ho la pretesa di scrivere recensioni, sono un appassionato e scrivo solo per condividere con altri il mio pensiero.

Due parole sul titolo: è la celebre battuta pronunciata da Roy nel finale di Blade Runner

I've seen things you people wouldn't believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhuser Gate. All those moments will be lost in time like tears in rain. Time to die.

Credo che sia adatta al blog: registro impressioni sui film che vedo per serbarne un ricordo, per evitare che vadano perdute...

A destra trovate alcuni link interessanti:

IMDb è il più ampio e completo database di cinema presente in rete, contiene filmografie di attori, registi, produttori, compositori...;
Bloopers! è un sito in grande crescita che raccoglie migliaia di errori in quasi settemila film, con il contributo di numerosi utenti (mi trovate come astromat);
Film.tv è utile per tenere d'occhio la programmazione televisiva, con la possibilità di essere avvertiti via mail sulla programmazione di un determinato film;
Cinematografo è meno completo di IMDb ma ha il vantaggio di essere in italiano e contiene anche articoli e recensioni;
Movies Quiz è il celebre quiz degli invisibili, da non perdere.

Buona lettura e buona visione!